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(Pre-Concert Talk)

The internationally acclaimed Kahchun Wong, talks about the 20th century Russian master's remarkable Chamber Symphony.

2020/09/25

黃佳俊

世界を舞台に活躍中のカーチュン・ウォンが、20世紀ロシアを代表する作曲家ドミトリー・ショスタコーヴィッチの「室内交響曲」について、オンラインコンサートに向けてのプレトークで語ります。

You can hear it really in the music, you know, it's ... I mean, a lot of people, reports are saying it's autobiographical.

曲を聞くとおわかりいただけると思いますが…多くの人、記録なんかにもありますように、この曲は、作曲者自身の人生を描いている、ということです。

A lot of people are linking it to the fact that he wrote it in three days - 1960, which is also the year he joined the Communist Party.

作曲者はこの曲を3日間で書き上げました。1960年のことです。この年は共産党入党の年でもあります。このことと関係がある、そう思う人も多いかと思います。

And he wrote his String Quartet No. 8 which is the basis for this version by (Rudolf) Barshai, and Shostakovich himself has heard this music.

ショスタコーヴィチは弦楽四重奏曲第8番を書いています。今回演奏するルドルフ・バルシャイの編曲版の元となった曲です。今回の編曲版は、ショスタコーヴィチ自身も聞いています。

And he ... in some reports, it's suggested that he said “This was even better than the string quartet version.”

ある文献によると、作曲者はこう言ったとされています「これは弦楽四重奏曲のバージョンよりも良かったぞ。」

Today on stage we have 4 first violins, 4 second, 4 violas, 3 cellos, 2 basses. So it's a very reduced string orchestra.

今日舞台上には、第1バイオリンが4人、第2バイオリンが4人、ビオラが4人、チェロが3人、コントラバスが2人です。まあ、弦楽オーケストラ、と呼ぶには、規模は小さめにしてあります。

It's also not the kind of Singapore Symphony that audiences are usually used to because we have usually 14 first violin to 16 first violins.

普段お客様方におなじみのシンガポール交響楽団とは、ちょっと違った感じですね。普段は第1バイオリンが14人とか16人とかいますから。

But at the same time I think with the context of this music, that it has been so powerful with just four in its original quartet version.

ですが同時にですね、今回第1バイオリンが4人しかいませんが、この音楽の作り方を考えると、大本の弦楽四重奏曲版の持つ力強さが出ています。

Now that we have a slightly enlarged string orchestra, I think we still keep very much this musical continuity and the context of this piece itself.

弦楽四重奏よりは少しだけ規模を大きくした、そんな感じの今回の弦楽オーケストラですが、この曲の持つ音楽性は受け継がれていますし、曲の作り方も受け継がれています。

It's a very strange piece. I was very intrigued by it. The first time I heard it was a recording by the Borodin Quartet, and it has so much, musically, that's painful, melancholic, but at the same time it's also very calculated.

この曲は、本当に一風変わった作品です。とても興味深いな、僕はそう思いました。初めてこの曲を聞いたのは、ボロディン弦楽四重奏団の音源です。この音源の演奏は、音楽的にとても豊かです。痛々しくて、物憂げで、でも同時に、ものすごく計算されていることがわかります。

You know, it's really a kind of contrast between the free and also the restrained.

ある意味、自由気ままさと、すごい堅苦しさと、そのコントラストがハッキリしています。

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It begins in the first movement, (there are) five of them, in the first movement almost a kind of quasi-fuga. You have these canonic entrances, not very regular, singing his name　"Re-Mi-Do-Si" which is D-Es-C-H. "Es" for E-flat and “H” for B-natural, and so they play Re-Mi (E-flat)-Do-Si B-natural, which is sort of "DSCH", his signature, his name - "Dmitri Schostakowitsch."

第1楽章、この曲は5つの楽章があって、最初の楽章は、フーガっぽいものです。輪唱、カノンのような出だしで、そんなに規則性がハッキリしているものではありません。作曲者の名前を歌っているんですよ。「レ、ミ、ド、シ」これって、ドイツ語では「D（デー）Es（エス）C（ツェー）H（ハー）」といいます。「エス」とは「ミ」のフラット、「ハー」とは「シ」のナチュラル。「DSCH」と並んだ感じで、作曲者の名前「Dドミトリー・SショスタコーヴィチCH」となるでしょ？

And everyone is murmuring the name from the cellos, basses to violas, second violins, first violins, and then everyone whispers it very pianissimo, senza vibrato.

舞台にいる一人一人の奏者が、彼の名前をブツブツと呟くんですよ。まずはチェロ、コントラバス、そしてビオラ、第2バイオリン、第1バイオリンと続きます。それぞれがうんと小さな音、pp（ピアニッシモ）で、ヴィブラートはかけません。

So you can feel this very tense, very unsettling atmosphere. Here with the SSO (Singapore Symphony Orchestra), we've tried to do this in three different ways.

そうやって、この物凄く張り詰めた、落ち着かない雰囲気を作るのです。今回シンガポール交響楽団では、これを3つの異なる方法でやってみました。

It's the music (which is) absolutely the same - pianissimo. But the first time we played on the A-string, senza vibrato, so a very brittle sound, and then the second time we move it to D-string and so it's a little bit higher positioned but con vibrato but still pianissimo.

音楽はそのまま、pp（ピアニッシモ）です。ですが1回目は「A」の弦を使うのです。ヴィブラートはかけません。ドライで、ちょっとのはずみで崩れてしまいそうな音になります。2回目は「D」の弦を使います。少しだけ高い位置になりますが、今度はヴィブラートをかけて、でも音量はpp（ピアニッシモ）のままです。

So now you hear this darker sounds but with a more weeping, sad singing, mournful kind of music.

そうやって音色が濃い目で、更に涙をにじませるような、悲しげに歌うような、うめくような感じの音楽になります。

And then the third time. When it appears, it starts with an E-natural so we play it on the E-string, which in most cases, violinists don't really like to play on open string in a kind of music like this because it's so bright and out of place.

そして3回目です。今度は出だしがEナチュラルですので「E」の弦を使います。多くの場合、バイオリン奏者は開放弦を使って、この手の音楽を弾くのは、あまり好みません。なぜなら「開けっぴろげ」みたいな明るさを音が持ってしまって、物凄く場違いな感じになってしまうからです。

But in this circumstance, I just thought it works very well and the SSO violinists are so cooperative in exploring this idea, so I think we're going to get a very nice result out of that.

でも今回この場合に限って、この方がうまくいくと、僕は考えました。シンガポール交響楽団のバイオリン奏者の皆さんが、すごく協力してくれて、どうやったら僕のアイデアを実現できるか、模索してくれたんです。素晴らしい結果になると思っています。

And of course this piece has a lot of solos. You have in the first movement, Yoong-Han playing a very beautiful entrance just a whisper.

そうそう、この曲にはソロが沢山出てきます。第1楽章ではユン・ハンさんが、曲の出だしで、ものすごく美しい、丁度人間がささやくような演奏を聞かせてくれます。

In a whole the first movement is like a prelude, fuga, canonic, calculated but also scary.

第1楽章全体をもう一度おさらいしますと、前奏があって、フーガが続いて、カノンと、計算されつくされて、でも同時に怖い感じもします。

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And then it leads into the second movement which is a very fast, relentless, powerful [sings] very chromatic. Every part shines, you know, the violas play very important music, the second violins, and the cellos.

このことは第2楽章にも引き継がれます。今度はものすごくスピード感があって、矢継ぎ早で、力強くて（歌ってみせる）、半音階でも聴いているかのような感じを強くうけます。どのパートもピカピカと光を放っているようです。ビオラがとても重要な部分を弾きます。あと、第2バイオリンとチェロもね。

It starts as 8-bar phrases and then it goes into 4+3+2. Then he comes back with these bunches but it's seven bars long. So just thinking about this makes me very alert.

出だしは8小節一区切りのフレーズ、次に4,3,2小節という区切り方のフレーズになります。そしてまたこのフレーズの区切り方に戻るのですが、小節数は7つになります。こうなると、僕も落ち着かない気分になります。

I feel like I'm back to JC (Junior College) and studying all my A-Mathe (Additional Mathematics) and all that. It's very calculative, really makes me think about structure and phrases.

なんだか中学校の時の「数学追補」という科目をやっていたときのことを思い出しますよ。曲が数学の計算でもやっているような気分になります。全体の構造や各フレーズのことを、ウンと考えさせられる曲です。

And when I sort of try to understand this a little bit more, it really puts into context the kind of academic rigour that Shostakovich has placed into his music. It's nothing comfortable. It throws people off.

なんでかな？と少しでも理解しようと思ったら、ある意味、難しい学問的な厳しさを、ショスタコーヴィチは自分の音楽に反映させたんだ、というそういう作り方だと判ったんです。心地よさなんて、全然ありません。人を突き放す、そんな感じです。

And I think Shostakovich has been quoted to say that “This kind of Jewish dance music, folk music means a lot to him,” or “meant a lot.”

たしかショスタコーヴィチが言った言葉だと思うんですが「この手のユダヤの舞曲だの、民族音楽だのというものは、私にとって大いに意味がある」、あれ？、「あった」だったかな。

It really evoked some kind of emotion in him because it sounds, on the surface, very happy but it's full of despair and maybe this reflects the kind of history the Jews have all these thousands of years.

作曲者の心のなかにある、何かしらの思いが、ものすごく出ています。というのも、表面的には、とても楽しげですよね。でも絶望感が満載で、これは数千年にも亘るユダヤ人の歴史みたいなものを、映し出しているんじゃないでしょうかね。

And that's how he ends his second movement with this molto perpetuo, this constant drive with this dance.

第2楽章は「Molto Perpetuo」、つまり、この踊りの音楽が、ずっと続くような感じで締めくくられます。

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Then we move on to the third movement, which is one of my favourite Shostakovich little pieces, you know, because it's a waltz and he does this kind of dances very well. You have also the second movement of the Fifth Symphony as well [sings]

次は第3楽章です。僕の大好きな、ショスタコーヴィチの小さめの曲の中の一つなんです。これはワルツで、作曲者はこの手の踊りの音楽を、とても上手に使います。僕が好きな理由はそこにあります。これは交響曲第5番の第2楽章にも出てきます（歌ってみせる）。

These kind of things are very sarcastic, very painful. It's almost like laughing at himself and being self-critical. It's kind of like limping with the waltz, you know, we're dancing.

この手の音楽は、白々しさと、痛々しさで満ち溢れています。作曲者が自分自身を、あざ笑っているような感じです。ワルツに合わせて、ヨタヨタして、そんな感じで踊っているのです。

So we feel like we have a dance partner and we're moving along and suddenly the dance partner just throws you aside or steps on your foot. You have this uneasiness with this Shostakovich.

一緒に踊る相手が居て、踊っている途中で、いきなり突き放されて、しかも足まで踏まれて、そんな感じがします。ショスタコーヴィチの書いたこの部分には、安心感がまるで無い、そんな雰囲気があるのです。

And then it goes into something very special, which is the First Cello Concerto, theme of the Cello Concerto [sings], which was also written very close to 1960, close to when this piece was first composed.

次に、ここは特別な部分です。チェロ協奏曲第1番の主題を彷彿とさせる部分です。チェロ協奏曲第1番も、1960年頃に書かれた曲です。今回の曲の原曲が作られた頃ですね。

There is a very big cello solo, very Shostakovich kind of melody. You have ... It's diatonic but very chromatic and sometimes he uses the flat second, the flat sixth and all that. Very Shostakovich kind of construction.

第3楽章にはチェロの長いソロが出てきます。ショスタコーヴィチ特有の感じがするメロディです。譜面は全音階なのに、まるで半音階でも聴いているかのような感じが強くします。それは第2音を時々半音下げているからです。あと第6音も。まさにショスタコーヴィチの曲の作り方、というやつです。

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Then you have the fourth movement which is the most powerful thing. The climax of this piece.

次に第4楽章です。この曲で一番パワフルな部分で、曲が最高潮に盛り上がるところです。

So we have five movements, it just happens at the fourth movement again. This whole golden ratio around the 66 - 70% kind of thing.

全部で5つの楽章ですが、普通の交響曲と同じように、第4楽章が山場になるんですね。この黄金比といいますか、6割6分から7割、といったところでしょうか。

And it's very powerful because it's not loud, it's not fast, it's not kind of triumphant like how we think, “OK, the climax should be in the finale.”

パワフルに感じるのは、音量がバカでかくなく、せかせか急ぐでなく、勝ち誇った感じでもない、「ヨッシャ、曲の山場なんだから、ここでおしまいだ！」でもない、だからこそパワフルに感じるのです。

But he does give us something loud - its this effect of [knocks]

ただ、バカでかい要素が一つあります。これ（譜面台をゲンコツで叩く）

You know, someone like the KGB or some loan shark, or just someone at the door just knocking.

ロシアの秘密警察KGBか、それともヤミ金融の取り立てか、とにかく誰かがドアをガンガン叩く、そんな感じのフレーズです。

And the tempo is quite fast, It's 138. So it should be [sings]. I just thought especially with a smaller string section, getting a slower tempo gives slightly more time to make that sound and also to make it more threatening so we're trying to do it slightly slower. Sorry Shostakovich! But I think it gets that feeling out.

テンポはとにかく速い、138です。こんな感じで（歌ってみせる）。ただ僕は、作曲者の指定よりも、楽器群の規模を縮小して、テンポもちょっとだけ遅めにして、時間を掛けて弾いた方が、強迫観念が強まるかな、と思って、ちょっとだけ遅めにやりました。ゴメンな、ショスタコーヴィチさん！でもこの方が、曲の感じが出ていると思いますよ。

So you have this two contrasts in this movement, right? It starts with this knocking, it's a 3-bar phrase. And then you have [sings] and then 3-bar phrase. But it's singing. It's not short.

ということで、この楽章では2つの対比が付きましたね。ドアをガンガン叩くような、これは3小節一区切りのフレーズです。次にこのフレーズ（歌ってみせる）これも3小節一区切りの、でもしっかり歌い上げる、短いフレーズではないからです。

So [sings] is short but then [sings] is very long, very horizontal and full of vibrato, a really wide vibrato that we are asking the musicians to play, together.

これは短く（歌ってみせる）、これは長く（歌ってみせる）、横の流れを大事にして、ヴィブラートも思いっきり、豪快に掛けて、奏者全員で一体感を出して、とお願いしています。

So you have this crying and weeping part and then you have this guy at the door saying, "Come out - it's your time".

この大声を張り上げるような、涙をにじませるような、そんな部分になっていて、これって作曲者が、例えばドアの向こうで「ほら、来いよ、お前が出てくる時なんだぞ」と言っているようです。

Then the cello plays this very brittle, transparent, translucent kind of music.

続いてチェロが、触ったら崩れそうな、透明感のある、それに近い感じの演奏をします。

You have the feeling that it's an “íng hún chū qiào.” There's just one wisp of smoke going up into the air and you're looking down on people. There's really this kind of spooky effect. And it's the Seventh Month!

「幽体離脱」、そんな雰囲気があるのです。細い煙のすじが、上に上がっていって、人々を上から見下ろす、薄気味悪い感じが出る効果があります。そう言えば今は「盂蘭盆会」の時期でしたね！幽霊もでますわ！

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Then it goes into the fifth movement. But this is almost, you know, if the beginning, if the first movement is like an opening or preface, this is like the prologue, then this is like the epilogue, the ending of it all.

そして第5楽章へと進みます。ただここはですね、第1楽章を、「オープニング」とか「前書き」とか言って、「前説」とするなら、この第5楽章は「エピローグ」、つまり曲全体の「後書き」ですね。

What is really special is that at the very end, we decided to have ... at a certain spot near the end, just the four quartet musicians playing. The principal players of the SSO are playing. That really goes back to the original quartet version.... D-S-C-H...

今回特別に、曲の最後の最後の部分で、私達はですね…ある部分で、終わりのところですが、弦楽四重奏団みたいに、4人だけで演奏しています。シンガポール交響楽団の首席奏者の4人です。まさしく、大本の弦楽四重奏曲版ですね。メロディも「DSCH」と並んだ感じが、また出てきます。

We get this very intimate kind of sound, almost like autobiographical and just dying down before the whole orchestra comes back for one final "re -mi-do-si"

この間近で一対一で聴いているような感じのサウンドは、作曲者の人生を綴ったような、少しずつ消え去ってゆくような、そしてオーケストラ全体が、また「DSCH」と並んだ感じのフレーズを、今度こそ最後に弾きます。

So you hear this perfect fifth at the very end. And this perfect fifth is also a kind of idea which you can find everywhere in this work. It's very empty.

一番最後に完全5度の音が聞こえてきます。この完全5度を使うやり方は、この曲の色々なところに出てきます。音の密度が薄く、空っぽな感じがします。

The perfect fifth is so resonant. You know, “Do-So.” It's such a common interval. Very resonant, but at the same time empty.

この完全5度というのは、ものすごく良く響く組み合わせです。「ド・ソ」。よく知られている音の重ね方ですよね。ものすごく良く響きます。同時に、空っぽな感じがします。

You know, you hear ... if you think about the harmonic series, you have “Do,” if it's C, “Do-Do.” And even “So.”

倍音を並べてみましょう。「ド」、なら「ド－ド」となりますし、あるいは「ソ」でもいいですけど。

But from this, the human ear interprets this as a major. We almost hear the third, the major third.

ただこのことから、人間の耳というのは、こんな風に音を重ねると、長調の和音を鳴らしているように聞こえます。うまくすれば、第3音、長調の和音の第3音が聞こえてきます。

But in Shostakovich's case, he doesn't put in a minor third so he doesn't say this is a minor chord.

ところがショスタコーヴィチは、この曲では短調の第3音を譜面には書いていないのです。「これは短調の和音だ」とは、言っていないのです。

But because he removes it, and because in the context of the whole music, you hear this and you hear the fifth as such a sad, painful, empty kind of a dyad, a kind of chord if you will. You can hear almost the minor third there. It's really quite a remarkable thing.

作曲者は第3音を敢えて取り除いて、それは曲全体の作り方からですね、そうすることで、聞こえてくるんですよ、第5音が、悲しげで、痛々しくて、空っぽな感じがします。2つの音で構成される和音、ある意味和音ですよね、これも。短調の第3音が聞こえてくる感じがするんですよ。これは、本当にスゴイことです。

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Hello! My name is Kahchun. Nice to see you all again. I'm hoping to welcome you to our concert which is going to be on SISTIC Live and it features three pieces of music.

こんにちは、カーチュンと申します！皆さん、またお目にかかれましたね！僕達シンガポール交響楽団は、「SISTC Live」のオンラインコンサートを開催いたします。是非御覧ください。今回は3曲演奏します。

Debussy's Prélude à l'après-midi d'un faune, which has SSO Principal Flute Jin Ta on flute solo.

ドビュッシー作曲の「牧神の午後への前奏曲」。シンガポール交響楽団の我らが主席フルート奏者、ジン・タがソロを務めます。

There's also Wagner's “Siegfried Idyll” in its original version for 13 instruments.

次にワーグナー作曲「ジークフリート牧歌」。原曲の13人の奏者でお送りいたします。

And also Shostakovich's Chamber Symphony, which is actually a version by Barshai on his original Eighth String Quartet.

そして勿論、ショスタコーヴィチ作曲「室内交響曲」。原曲は弦楽四重奏曲ですが、今回はルドルフ・バルシャイの弦楽オーケストラ版でお送りいたします。

So see you!

待ってますよ！

https://www.youtube.com/watch?v=w4OnE9uXHvY

本番の見事な演奏です♪

DMITRI SHOSTAKOVICH (1906–1975)

Chamber Symphony, Op. 110a (String Quartet No. 8, arr. Barshai, 1960)

0:00 I. Largo

5:29 II. Allegro molto

8:45 III. Allegretto

13:40 IV. Largo

19:20 V. Largo

Singapore Symphony Orchestra

Kahchun Wong, conductor

Recorded on 24 Aug 2020 at the Esplanade Concert Hall, Singapore

2024-02-10

英日対訳：エヴァ・ポドレス（波蘭・Alto）２０１０インタビュー：ベテランの流儀「今が最高」で行く

https://www.polskieradio.pl/395/7791/Artykul/3324101,focus-the-contralto

本スクリプトの音声サイトはこちらからどうぞ

Ewa Podles - interview - 2010

Polskie Radio

エヴァ・ポドレス　アルト歌手（コントラルト）

国営ポーランド・ラジオ　2023年1月24日

Elzbieta Krajewska

Welcome to “Focus Magazine,” and your host is Elzbieta Krajewska.

エリザベータ・クライェフスカ

「フォーカス・マガジン」へようこそ。ご案内役のエリザベータ・クライェフスカです。

Ewa Podles, or one of our greatest Polish singers of her generation and owner of extraordinary rare voice passed away on January 19th, 2024 at the age of 71.

我が国が誇るポーランドの歌手エヴァ・ポドレス、とても素晴らしい、類まれな美声の持ち主でしたが、2024年1月19日、71歳でこの世を去りました。

Her distinctive dramatic voice of staggering range was hailed as the most authentic of contraltos, “Contralto Assoluto,” as she came to be titled.

彼女独特のドラマチックな美声は、圧倒的な程の音域の幅を誇り、本格的な最高のコントラルト歌手としての「コントラルト・アッソルート」の称号を誇りました。

And her artistic achievement spanned several decades, seeing her career that took her to all the great theaters and the world, including The Metropolitan Opera, Teatro Alla Scala, The Royal Opera House, Teatro Real, and Grand Theatre d'Anger, and of course, The National Stages in Poland.

数十年にも及び輝かしい実績を残した彼女の音楽家人生のなかで、世界を代表する歌劇場の殆どの舞台に立ちました。ニューヨークのメトロポリタン歌劇場、ミラノのスカラ座、ロンドンのロイヤル・オペラ・ハウス、マドリードのテアトロ・レアル、フランスのアンジェ大劇場、そして勿論、ポーランド国内の各国公立劇場には、全て彼女が登場しています。

(music)

Born on the April 26th, 1952 in Warsaw, Ewa Podles studied at The Warsaw Academy of Music and Alina Bolechowska, and made her stage debut as “Rosina” in Rossini's “Barbar in Seville” in 1975.

エヴァ・ポドレスは1952年4月26日生まれ、ワルシャワ音楽アカデミー（現在の国立フレデリック・ショパン音楽大学）でアリーナ・ブレホススカに師事、その後1975年に、ロッシーニ作曲の歌劇「セヴィリアの理髪師」で、ロジーナ役を演じてデビューを果たしました。

And in 1984 she made her The Metropolitan Opera debut, singing the title role in Handel's “Rinaldo.” She sang with accompaniment of world famous orchestras and accompanied by her husband Jerzy Marchwinski (whom) she traveled with recitals world-wide.

1984年にはメトロポリタン歌劇場で、ヘンデル作曲の歌劇「リナルド」で、リナルド役を演じます。また、世界の主要オーケストラとの共演や、ピアノ奏者で夫のイェルジ・マルチウィンスキとともに、世界各地でリサイタルを開催しました。

In 2010, I had a great honor and pleasure of meeting and talking to Ewa Podles.

2010年には私、エリザベータ・クライェフスカが、直接お会いしてのインタビューが実現しました。

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I had the honor of meeting Ewa Podles at her house near Warsaw before the premiere of (Richard) Strauss's “Elektra” at The National Opera. We talked under the portrait of her as “Rinaldo” and the company of a vocal of canary.

首都郊外のエヴァ・ポドレスさんのご自宅にお邪魔して、近くワルシャワ大劇場での初演が予定されております、リヒャルト・シュトラウスの歌劇「エレクトラ」について、うかがって参りました。こちらには今、「リナルド」を演じられたときのポートレートと、それからカナリヤの鳴き声が聞こえてまいります。

*****

This is home for you. This place near Warsaw, this is home.

エリザベータ・クライェフスカ

こちらが、エヴァさんのワルシャワのご自宅です。

Yes, of course, this is my home. And I'm very happy to be here because already 35 years I'm traveling all of the world. So the best vacation for me is to spend time at my home.

エヴァ・ポドレス

ええ、そうです。ここが私の自宅。もう35年間世界中を回っているから、自宅で過ごす時間が、私にとっては、最高の休暇の過ごし方です。

You are from Warsaw, and I know you were educated, you were born ...

エリザベータ・クライェフスカ

お生まれはワルシャワで、音楽を学んだのは、生まれて…

Yes, I was born in Warsaw.

エヴァ・ポドレス

ええ、ワルシャワの出身です。

And you were educated in Warsaw as well.

エリザベータ・クライェフスカ

音楽学校もワルシャワに通われたんですか？

Yes. Warsaw Academy of Music, now Frederick Chopin Academy.

エヴァ・ポドレス

そうです。ワルシャワ音楽アカデミー、今は国立のフレデリック・ショパン音楽大学といったわね。

(music)

（演奏）

And as I heard your voice with Rossini, with Handel, with music like this, but this time you're doing Strauss.

エリザベータ・クライェフスカ

エヴァさんの歌声では、ロッシーニやヘンデルの曲を聞かせていただいた事はあるのですが、今回はリヒャルト・シュトラウスということですが。

Yes, it's natural way because when I was young and beautiful, 20 kilos younger, of course, I sang only Rossini, light repertoire because a little bit more heavy repertoire can destroy your voice, absolutely.

エヴァ・ポドレシュ

まあ、自然な流れでしょうね。というのも、まだ若い頃は　…ちなみに超美人だったのよ（笑）まだお馬鹿さんで若かったわね、当然ながら。ロッシーニとか、軽めの曲しか歌いませんでした。これより少しでも重ための曲になると、声を完全に壊してしまいますからね。

So it's very important to make choises when you are young, which kind of music, repertorie, you can choose or not.

若い頃は曲選びがとても大切です。音楽の種類、レパートリー、どれを選んで、どれを選ばないかがね。

I remember that 30 years ago, with people, managers, directors, music directors, they ask me to sing Verdi' s “Il Trovatore,” “Aida.”

今でも憶えていますが、30年前、マネージャーさんや監督、音楽監督ですね、私にヴェルディの「イル・トロヴァトーレ」だの「アイーダ」だの歌ってくれと言ってくるわけですしょ。

And I said, “Jesus! Maybe after 30 years I'll be able to sing this, but not now, with this light brilliant voice, almost like soprano voice!”

私は「冗談じゃない！30年後には歌えるようになるだろうけど、今はだめよ。声質は軽いしキラキラだし、ほとんどソプラノだからね。」

And it happened after 30 years. I'm not anymore “Rosina” in “Il Barbier de Seville,” of course.

実際30年後に歌う機会がありましたよ。私も今では、「セビリアの理髪師」の「ロシーナ」役なんて、当然務まりません。

In my age it's not ... it's stupid to take roles like this. But now I am ready to sing all those old witches, “Ulricca,” ( on Un ballo in mashera) “Azucena,” (on Il Trovatore) crazy, crazy ladies, you know!

私の年齢では、今更そんな役なんか引き受けたら「バカじゃないの」。ただ、今では私も歌えるようになった役があって、「仮面舞踏会」に出てくる女占い師のウルリカとか、「イル・トロヴァトーレ」に出てくる老婆のアズチェーナとかね、お騒がせオバサン達よ！

That's ... Everything is natural. It's just ... 30 years I couldn't sing this repertoire. Now I can.

30年前は、そんなの歌えるはずもありませんでしたけれど、今は大丈夫です。

Has your voice, because it's such a rare voice, has it ever been difficult for you?

エリザベータ・クライェフスカ

なかなか聞かない、珍しいお声ですよね。大変じゃありませんでしたか？

To do what?

エヴァ・ポドレス

何をするのが大変て？

Well, perhaps there were things you couldn't do.

エリザベータ・クライェフスカ

ほら、ままならないこともあったんじゃないかと。

Listen! I was born, I am not a singer. I was born with my voice. It was my only dream to sing. I had no choice.

エヴァ・ポドレス

何を仰る！私は生まれつき歌手の才能があったわけじゃないけれど、この声は持って生まれたものよ。将来の夢と言ったら、歌手になるしか無かったの。選択の余地なんてありませんでしたよ。

And especially that my mother was a singer, fantastic singer, and my oldest sister, she was also a singer. So I had no choice.

母が素晴らしい歌手で、一番上の姉も歌手でした。こうなったら、私も歌手になるしか無いでしょう。

And I was born also with this flexibility, with coloratura. I didn't work specially. I mean, people have to work to sing fast, start slower, then faster and faster, step by step. They have to work.

私の持って生まれた才能の1つが、柔軟性とコロラトゥーラ唱法です。このために特別練習をしたことはありません。普通の人は速いテンポで歌えるようになるには、ゆっくりから徐々にテンポを上げてゆきます。努力が必要なんです。

I sang like this without any exercises, you know. I had it. I was born with this. And so, 30 years ago I didn't think even about different repertoire.

何の練習もしないで、こんな風に歌えるようになりましたよ。持って生まれたものよ。それと、30年前は、当時自分が歌っていた曲とは、別のレパートリーを広げようなんて、考えもしませんでした。

But my mother, she told me, “Ewa, if you will sing perfect, or you like, if you choose good repertoire, not too heavy, at the beginning of your career, you will save your voice for many many years, and you will be able to sing everything what you want.”

でも母がこう言ったんです「エヴァ、自分の歌を完璧にしたいなら、自分で良いレパートリーを作ってゆきたいなら、重すぎるのは駄目よ、駆け出しの頃はね。自分の声は長い年月節約して使わないとね。そうすれば、将来自分の好きな曲は何だって歌えるようになるわよ。」

It's sure because, you know, it's very easy to destroy voice. For example, my sister, she had maybe the most beautiful alto voice, dark, beautiful. But she doesn't sing professionally because she finished our Warsaw Academy without voice!

声を壊してしまうなんて、造作ないことです、これは間違いないわ。例えば私の姉妹は、本当にきれいなアルトの、渋い声だったけれど、プロとしては歌っていません。ワルシャワ音楽アカデミーを卒業するときに、学校に忘れてきちゃったのよ！

So it's very easy to destroy something. So I always had to decide to accept, kind of, proposal, you know. They had a lot of, thousand of proposal that I had to, first of all, I had to see music if it's really for my voice or not.

自分の持ち味持ち物を壊してしまうなんて、あっけないものです。ですから私は、常に曲自体を受け入れるか、ある意味、提案を受け入れるか、これについてはずっと考えさせられましした。何しろ、数え切れないほどの出演オファーが来るわけですから、自分の声に合うかどうか、見極めないといけませんわね。

(music)

（演奏）

What was difficult for you to become an international singer at that time in Poland we were not so open to the world as we are?

エリザベータ・クライェフスカ

当時ポーランドが、今のように国外へ気軽に出れなかった頃だと思うのですが、国際的な活動というのは大変じゃありませんでしたか？

When I started to make my career, it wasn't so difficult. I went to all international competitions. I got many many prizes. It's still ... already do the countries started to open a little bit.

エヴァ・ポドレス

デビュー当時は、それほどでもなかったですね。国際コンクールは全部出ましたし、賞も沢山頂きました。色んな国が、行き来が少しやりやすくなり始めていたかしらね。

And in Poland we had always, kind of, freedom to compare with Germans, to compare with Russians. Poles, they had always ... It was easier for us to travel outside of Poland then for Czech, and into Russia.

ポーランドは、ドイツやロシアの人達と比べたら、ある意味自由だったんじゃないの。ポーランドから出て、チェコ、そしてロシアと、他の国よりは楽に行き来できたかしら。

I think it was a time actually when you were more famous outside Poland than in your own country.

エリザベータ・クライェフスカ

当時は国内よりも、まず国外で知名度が上がっていたかと思います。

Ah! Yes. Later, of course, because, you know, for me, it was interesting to go to see to fight with others, with other singers to see how they work on stage.

エヴァ・ポドレス

そうなのよねえ！国内は後だったわね。他の人達の競ったり、他の歌手たちが舞台でどんな風にやっているか、歌っているかを見るのは、スゴく興味深かったですよ。

It is the best school of singing just to be on stage. You can't learn everything in studio. No! Just you have to stay in front of the audience and to find, to see the older colleagues, how they work, how they sing, to take from them advice or, you know, things important. It was the best lesson for me.

舞台は最高の音楽学校ですよ。レッスン室や録音室にいたんじゃ、全部を学べるわけじゃありませんから。無理よ。とにかく、お客さんの前に立たないとね。そうやって、自分より先輩の歌手達を見つけては見学して、助言をもらったり、そういうのが大切なんです。私にとってはそれが、最高のレッスンだったわよ。

And now I am the oldest person on the stage!

今じゃ私が、一番年上になっちゃったじゃないのよ！

(music)

（演奏）

I think I remember one of your first recitals in Warsaw at The National Philharmonic. It was absolutely amazing for me. And this is something I think it always had special relationship with audience, Polish audiences or around the world.

エリザベータ・クライェフスカ

あなたがワルシャワのナショナル・フィルハーモニーで、初めてリサイタルをなさったときのことを、私憶えています。本当にすごかったです。お客さんとの絆が特別で、それはポーランドの観客だけじゃなくて、世界中でそうですよね。

Because, for me, the message is the most important. I am not on stage to make vocalizes, to show only beauty of my voice? No! No!

エヴァ・ポドレス

それはね、メッセージこそが一番大切だからです。私は何も考えず、声だけ舞台で出してるわけじゃないの。キレイな声が出さえすればいい、そんなんじゃないんですよ！

The most important is for me drama, text words to show to play with ... Not only with music but with words to act, to tell something important.

私にとって一番大事なのは、音楽に込められた物語、歌詞や台本があるでしょ、それを演奏するわけですが、演技は音楽だけじゃなくて、セリフと一緒に、それで大事なことを伝えるわけですよ。

And I'm sure the people are waiting for this, and the people love this. Even when I think sometimes something like “L'italiana in Algeri,” it is nothing tragic.

お客さんもそれを待っている、それが好きでたまらない、これは間違いないわ。例えば、ロッシーニ作曲の「アルジェのイタリア女」、これって、悲劇でもなんでも無いわよね。

But people cry, sometimes they come after performance with tears, and they cry. “Why are you crying?!” “Because you touched me so much.”

でもこれを見たお客さんが涙を流すんですよ。本番が終わると涙を流すんです。「何で泣いているの？」「だってあなたの演奏が感動的なんですもの。」

I know it's nothing cry, but I can't stop this. It's the best compliment for me because I'm for this to move, to touch people, too.

このオペラは、見て涙を流すようなものじゃないのは、判ってはいますけど、別に「泣くな」なんて、言いやしませんよね。私にとっては最高の褒め言葉です。私はまさに、聴く人達を感動させようとしているわけでもあるのですから。

Yes, to bring them a lot of energy, you have to touch many people.

エリザベータ・クライェフスカ

ですよね、お客さんにエネルギーを届けるためにも、感動させないといけませんよね。

Yes. But for me, not for ... not only for me but I think the ... all artists, they have to touch them to move them because music without expression, without this special message, it's only noise for me. It's noise.

エヴァ・ポドレス

そうです、でもこれは私に限ったことじゃない。音楽家は誰でもそうでしょう。お客さんを感動させないといけないのよ。だって伝える思いが表現されていない音楽なんて、特別なメッセージのない音楽なんて、私にはそんなの、ただの雑音だわよ。

Is there any particular composer you like when you particularly enjoy singing?

エリザベータ・クライェフスカ

特に好んで楽しんで歌う作曲家というのはありますか？

I think I love what I'm singing right now, exactly. Even if from the very beginning, when you start to learn something.

エヴァ・ポドレス

その時その瞬間に取り組んでいる曲が、一番好きだって、そう思っています。本当にね。人間誰でもそうでしょ、何か物事を学んで身につけるようになった、その一番最初からね。

For example, “Elektra,” a few years ago, when I started to learn this music, I said, “Jesus! This is why I signed this contract? Why? It's so difficult! It's so stupid! It has so many notes, so it's difficult to compare with 'oompah oompah oompah,' Rossini, Handel!”

例えば、リヒャルト・シュトラウスの「エレクトラ」、2,3年前でしたか、今回の「エレクトラ」の役が決まって、練習を始めたわけですけれど、その時は「まずいわよこれ！何でこんなの引き受けちゃったのかしら？！難しいわねぇ！バカだったわ、引き受けちゃって！こんなに音符が沢山並んでいて、ロッシーニとかヘンデルとかだったら「ブンチャ、ブンチャ」で済むのに、これは難しいわ！」

You know, I read, I sing once, one phrase and already I remember this phrase.

私の場合、今まででしたら、1回楽譜を読んで、1回でも、1節でも歌ったら、もうすぐに曲を憶えることが出来るんですよ。

But Strauss, contemporary music and modern music, it's difficult, and I never sang this kind of music. So for me, it was challenge as “why, why, yeah, yeah!”

でもこのリヒャルト・シュトラウスの曲は、近現代の音楽は難しいですよ。こんな感じの音楽を、歌ったことがないですからね。私にとっては、未知の世界に挑む、「えーい、もうやったれ！」て感じですよ。

But now I just I fell in love. I, I ... it's so wonderful. Now I don't want to sing anymore, Rossini, Handel. No, I don't want because for me now it's this “Haka-kaka Haka-kaka!” It's so stupid, you know, to compare with such an incredible music like “Elektra.”

でも今では、もうこの曲が大好きで、本当に素晴らしいですよね。こうなると、ロッシーニだのヘンデルだの、もういいや、歌いたくない！と。というのも、今までのは「タカタカ、タカタカ」（技巧ばかりを強調する楽曲）。こういうのは「エレクトラ」のように、音楽自体が極上の作品と比べると、軽薄に思えてしまいます。

You can show something more not only technical, technical challenges. I mean, “Look at me how fast I can sing!” It's not a competition. When we are on stage, it's not a competition to show more and more.

ともすると、技術的に難しそうなものばかりを披露するのかと思われがちですが、それ以上のものを、舞台からお客さんには伝えることだって出来るんです。つまりね「見て見て！私こんなに早口で、速いテンポで演奏できるのよ！」コンクールじゃないっつーの。舞台に立ったら、自分の小手先をこれでもかと沢山見せつける、コンクールじゃないって話よ。

For me, something more important and not only flexibility, high notes and low notes. Of course, it should be because, you know, you can't sing anymore beautiful.

私にとっては、柔軟性だけじゃなくて、やたら高い音が出せるだの、低い音が出せるだの、それだけが重要なものではありません。勿論、それはそれで、そうでないといけないのよ、でなきゃ綺麗に歌えっこないからね。

It's not enough just to talk to people. You have to think. You have to think.

人に話しかけるときに、言葉だけ投げかけたって駄目でしょ。頭で考えながらじゃないとだめ、それと同じよ。

And I always ask my husband, “Please, you are the only person who can tell me frankly, 'Ewa, maybe it's ... You should finish. You should stop singing.'”

夫にいつもお願いしていることがあります「お願いね、あんただけが『エヴァよ、もう潮時だな、引退しろや』と、包み隠さず言える立場なんだからね。」

(music)

（演奏）

It's very different. It depends of .. sometimes the singer, (Adam) Andrzejewski, he probably will sing with such a ... with the same young voice till now. But sometimes singers stop their career very early.

人によって全然違いますよ、歌手によって違いますよ。例えば時には、アンジェイエフスキーなんかだと、若い頃のまんまの声でずっと歌うかも知れないけれど、歌手によっては人生早い段階で、歌をやめてしまう人もいるでしょう。

Sometimes they are able to sing really good, still very good and very long. So I hope I will sing as long as it will be in good quality, you know, my singing will have good quality, acceptable for audience.

ずっと上手なままで、スゴく長い間やれる人もいるでしょう。ですから私も、できるだけ長い間、上手にやっていたいの。歌唱力もずっと良い状態のままで、お客さんに何とか受け入れてもらえるくらいにね。

Acceptable? I think that's not the enough word.

エリザベータ・クライェフスカ

何とか受け入れてもらえる？何か物足りないですね。

“Acceptable” is not enough, you know, because sometimes I listen to the concerts of old singers, like, for example ... No, no names. But it's not good. They should not sing anymore.

エヴァ・ポドレス

「何とか」じゃあ物足りないわよね！何しろ年寄りのコンサートなんかに、時々聴きにいくと、例えば…名前は出さないようにしようっと。まあでも、良いことじゃない、もうこれ以上は歌うべきじゃない、ていう人もいるのよ。

We've been talking about music, and you said that the music you like is the one you are doing right now. But what about the stages? Is there a particular stage you like to sing on?

エリザベータ・クライェフスカ

ここまで演奏面の話をお聞かせいただいています。その時その場で取り組んでいる曲が、お好きなんだ、とのことです。では演奏会場はいかがですか？ここは歌うのに気に入っている、という舞台はおありですか？

No, I think I feel onstage everywhere like fish in water. I'm very happy, you know, I started my stage career when I was three years old.

エヴァ・ポドレシュ

無いですね。私は舞台と名のつくところは、どこに立っても「水を得た魚のよう」に、イケますよ。心がウキウキします。私の初舞台は、3歳のときでした。

I was Madame Butterfly's baby, Madame Butterfly's baby. So then I was “super” when I was teenager. And my mother sang in opera, she sang in choir. So I always went with her to do to the dressing room.

その時の役は、「蝶々夫人」の娘役、小さな幼子の役ですよ。その後、10代の頃には、舞台が「チョー好き」になりましたね。母がオペラ、合唱の方で歌ってました。ですから私は彼女についていって、衣装やメイクをするわけですよ。

It was the mystery place. I made, make up. I use her wigs, for example, and I really, I love the theater, this special atmosphere.

10代の子にとっては、謎めいた場所ですよね。メイクをして、母のウィッグを借りて、例えばですね。本当に、劇場という、この特別な雰囲気が、もう大好きでした。

So ... And always, it's not important if I sing in New York or in Nowy Targ in Poland. I try to do my best always. It depends on my actual possibility, I mean, conditions. Sometimes I don't feel very well. But I always sing.

ですから、いつだって、ニューヨークだろうと、ポーランドの田舎のノヴィ・タルクだろうと、そんなのは重要ではありません。いつでもどこでも、最高の演技や演奏をする、それだけです。実際その場その時の、私の能力だの調子にもよりますけれどね。時には、今日は気分が良くないな、ていう日はあるでしょ。それでもずっと歌うのよ。

Sometimes as usual for everybody, sometimes you have better performance, sometimes a little bit worse. But that's we are human beings. So it changes sometimes.

誰に聴いてもらっても、いつも通りだな、ていう日もあれば、調子がいい日も悪い日もあるでしょ。でもそれが、人間というもの。調子なんて、変わることは時々はあるものよ。

But I'm always ... I'm trying to do my best to sing as well as I can in this particular moment.

でも私はいつだって…その場その場で、自分のベストを尽くせるよう、いつも心がけています。

Well, you said you didn't have a favorite composer, but what about Chopin? And we're at a special moment Chopin. You will be doing Chopin's lieder, won't you?.

エリザベータ・クライェフスカ

ずっとお気に入りの作曲家というものは、特に無いと仰っていましたが、ショパンはどうですか？ショパンは今、旬な話題ですよね、この後、ショパンの作品を採り上げるんでしたよね？

Of course. Of course, yes. But I have my own choice in between all those Chopin songs with nineteen songs. I love five and six.

エヴァ・ポドレス

そりゃそうよ。でも同じショパンでも、私自身の好みがありますからね。19曲あるけど、私は5番目と6番目が大好きなの。

And usually I sing them during my solo, piano recitals because the rest is not so interesting for me. And it's my music. Who has to sing Chopin in the world? Of course, Polish singers! So it's my duty. I have to do this.

ピアノ奏者を連れてリサイタルをする時は、この2曲をいつも歌っています。だって残りの曲は、面白いと思えないんだもの。ショパンは私の持ちネタです。世界中でショパンは誰が歌うべきか、て言えば、ポーランド人歌手が歌わないでどうするの、て話です。これは私の責務です。歌わないわけには行かないのよ。

(Karol) Szymanowski?

エリザベータ・クライェフスカ

カルロ・シマノフスキはどうですか？

Oh, yes, of course, Szymanowski I sing. And (Witold) Lutoslawski. Now I sang here in December. I had recital, second recital in Wigmore Hall in London with Garrick Ohlsson.

エヴァ・ポドレス

勿論、カルロ・シマノフスキも歌いますよ。それとヴィトルト・ルトスワフスキもね。去年の12月にここで歌ったかしら。それと、ギャリック・オールソンにピアノを弾いてもらって、ロンドンのウィグモアホールで、2回目のリサイタルの時にも歌ったかな。

And I sang (Mieczyslaw) Karlowicz's song, songs by Karlowicz. People don't know this music, so ... I love, I love absolutely. I prefer Karlowicz. For me the best, better than Chopin.

それからミチェスワフ・カルウォーヴィッチの曲もね。まだ彼の作品は、知られていないから。私は大好きなのよ、本当に。ショパンなんかよりも、カルウォーヴィッチの曲のほうが、私は好きだな。

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EえK

From the archive of “Focus Magazine,” an interview with the great Ewa Podles, who died at the age of 71.

エリザベータ・クライェフスカ

「フォーカス・マガジン」で過去に放送いたしましたインタビューの中から、この度71歳で亡くなられましたエヴァ・ポドレスさんの分をお送りいたしました。大変偉大な歌手でした。

And this is Elzbieta Krajewska. Thanks for listening, and good bye.

ご案内はエリザベータ・クライェフスカでした、お聞きいただいましてありがとうございました。失礼いたします。

https://www.youtube.com/watch?v=rAVbxob8rN8

歌劇「エレクトラ」（2011年）

主人公の母親「クリテムネストラ」を熱演します。

2024-02-03

英日対訳：サラ・サワー（加・Drum）2018"Drumeo"：インド音楽のリズムをドラムに／周辺知識の大切さ

https://www.youtube.com/watch?v=1KKZ-SaVZhA

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

2018/06/28 #drumeo #drumlessons #2b

0:01

[Music]

Sarah Thawer

Like I mentioned earlier that since these grooves originate on percussion, this is just my take on the drums.

サラ・サワー

さっき言った通り、このリズムの組み合わせ方は、打楽器演奏が大本なので、ドラム奏者の私には、まさに自分のやるべきこと、て感じです。

Try and hear it in a musical setting, and then knowing when and where and how and why to add it.

実際に演奏の場面でやってみて、聞いてみてください。そうやって、いつどこで、どんな風に、どういった根拠で取り入れていくか、身につけてみてください。

Introduction

はじめに

3:16

Reuben Spiker

That was awesome, man!

ルーベン・スパイカー

すごい！

Thank you.

サラ・サワー

どうも。

Thank you. That was super cool, and welcome to “Drumeo,” everyone. My name is Reuben Spiker. This is Sarah Thawer. We are super stoked to have you out.

ルーベン・スパイカー

ありがとう、超カッコ良かった。皆さん、「Drumeo」をご覧いただき、有難うございます。僕はルーベン・スパイカーといいます。こちらは、サラ・サワーさん。お越しいただいて、メッチャ嬉しいです。

3:27

Thank you so much for having me.

サラ・サワー

呼んでいただいて、嬉しいです。

Super stoked. So we have an amazing lesson planned for you guys. Let's get into it. We're going to be breaking down some awesome Indian grooves that you've taken from some percussion stuff, and you're going to be showing us how you apply to the kits

ルーベン・スパイカー

こちらこそ。さあ、今日は皆さんに、すごいレッスンを用意しました。早速見てゆきましょう。今日はインド音楽のリズムの組み合わせを見てゆきましょう。これはサラさんが、ある打楽器の演奏から取り入れて、ドラムで演奏するやり方を、教えてくれる、というものです。