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2021/06/25

OneVoice Documentary

Briarcrest OneVoice has had a storied history since its inception in 2009. This documentary interviews former members, producers, arrangers, and other a cappella professionals who have worked with the group over the past decade. The documentary was produced by Briarcrest Christian School's Ryan Stone, Nathan Armstrong, Ben Cole, and Dr. J.D. Frizzell between 2018 and 2021.

In 2009, “glee” was a hit TV show. “The Sing-Off” made its debut season.

ナレーション

2009年といえば、アカペラグループを扱った映画「glee」の封切りや「The Sing-Off」のシーズン1が放送された時期です。

And while there were thousands of collegiate a capella groups, there were only a handful at high schools around the country. (Briarcrest) OneVoice was one of those the first experience.

当時大学のアカペラサークルは数多くありましたが、高校では全国的に見ても、数が少ない時代でした。ブライアクレスト・クリスチャン・スクールのOneVoiceは、その数少ない時代の先駆けの一つでした。

The first experinc I've ever had with a cappella was OneVoice. And so I remember going home that night, and I told my mom I was like, “I have to go to Briarcrest. I have to!” Like we have to make this work.

生まれて初めてのアカペラの経験が、OneVoiceでした。今でも憶えていますが、入部を決心した日の夜、家に帰って母に「私、ブライアクレスト・クリスチャン・スクールに進学する、もう絶対だから！」みたいに、もうこれじゃないといけない、そんな感じで言いました。

I came to Briarcrest because of OneVoice. I did ... I went to a public school before I went to Briarcrest. And the biggest reason why I went to Briarcrest was to be able to even have the opportunity to audition for OneVoice and so

私がブライアクレスト・クリスチャン・スクールに進学したのは、OneVoiceがあったからです。その前は別の公立高校に行って、それでブライアクレスト・クリスチャン・スクールに進学した一番の理由は、OneVoiceのオーディションが受けられるとか、そういうのがあったからです。

Then when Pitch Perfect (movie: 2015) came out, and I was like “I did that, but in high school!”

その後ですよね、映画の「ピッチ・パーフェクト」の上映は。それで私的には「私これやった、でも高校でだけど！」

<Dr. J. D. Frizzell (James Daniel Frizzell) director of fine arts, Briarcrest christian school>

I had worked them pretty hard that first year, and I wanted them to do something really fun and something different.

ジェームス・ダニエル・フリッツェル（ブライアクレスト・クリスチャン・スクール芸術科主任教員）

初年度は、とにかく頑張りました。とにかく楽しく、そして今までにないものを、生徒に取り組んでもらいたかったのです。

OneVoice started by dabbling in multiple styles, including vocal jazz and crossover choral pop. They started turning heads immediately with their performances of songs by groups like Take 6 and New York Voices, who even came to Memphis to do a concert with OneVoice in their very first year.

ナレーション

OneVoiceは、ヴォーカル・ジャズやクロスオーバーのポップコーラスといった、様々なジャンルの楽曲に取り組む演奏活動をする、ということでスタートしました。その後すぐに方針を切り替えて、テイク6やニューヨーク・ヴォイセスといったグループが行うような、パフォーマンスを採り入れた演奏に取り組み始めます。ニューヨーク・ヴォイセスについては、メンフィスでコンサートを行った際、結成1年目のOneVoiceと共演しています。

That concert that we did with New York Voices, that was just an amazing experience.

ニューヨーク・ヴォイセスとの共演は、本当に素晴らしい経験でした。

<Dr. J. D. Frizzell director of fine arts, briarcrest christian school>

I saw the support of the Briarcrest administration and community for the arts right away when we did this concert with New York Voices. And all these people came out and these businesses came out to support, you know, us doing such a high level professional concert with a Grammy-Award winning group like New York Voices.

ジェームス・ダニエル・フリッツェル（ブライアクレスト・クリスチャン・スクール芸術科主任教員）

ニューヨーク・ヴォイセスとの共演を行った後すぐに、ブライアクレスト・クリスチャン・スクールの学校運営サイドと、地域の皆様方から、ご支援がいただけるようになりました。ニューヨーク・ヴォイセスのような、グラミー賞受賞団体との共演という、プロ級の、高いレベルのコンサートをするとなって、関係の方達や、関連事業に関わる方達も、支援を申し出てくださいました。

The group built a strong presence in the Memphis area quickly performing outreach concerts for elementary and middle schools.

ナレーション

OneVoiceはメンフィスにおいて、地域の小学校や中学校へ訪問演奏を、活動開始後すぐに展開し、地域での存在感をシッカリと作ってきました。

Singing for them (and) performing for them was super awesome because they're middle schoolers and they don't know better like ... We were like rock stars for them, right? And they're having so much fun with it.

小学校の子達や中学校の子達に、歌ってパフォーマンスを見せてというのは、本当にやって良かったです。中学校の子達にとっては、あまり良く…というか、僕達はアイドルグループか何かの様に見えたのかもしれませんね。すごく楽しんでくれましたから。

I mean, even just like the other students are like, “Oh, yeah, I guess so it's cool and all, but you're not playing football. So what? Yeah, what's the ... what's it matters?” But I think that was one of the first times when people were just like, “Wow! like, I didn't, I didn't know you guys could could do something like that!” And of course, it was cool bringing in a lot more of like popular music.

学校の他の友達がですね、僕達のOneVoiceについて「ああ、まあ良いんじゃないの、でもフットボールとかスポーツじゃないよね、となると、だから何なの？て感じかなあ・・・」とか言うんですよ。でも確か、最初の頃にやっていたパフォーマンスを見てもらった後にはですね「いやあ、こんなに凄いことやるなんて、知らなかったよ！」と言ってくれました。勿論、皆が良く知っている曲を沢山プログラムに盛り込んだのも、良かったのでしょうね。

But yes, we get out there. And we do our set and they love it. They're like jumping up and down clapping and stuff. And then we sing the last song, which is (Swedish House Mafia's) “Don't You Worry Child”, which is super clubby and upbeat and stuff. And they just flip out, you know. And we were all like holy cow. We're rock stars right now

学校では「だから何？」みたいな感じでしたが、とにかく皆の前でパフォーマンスをしました。僕達の用意したプログラムを、皆すごく気に入ってくれました。飛んだり跳ねたり、手拍子したりしてですね、それで最後に歌ったのが（スウェーディッシュ・ハウス・マフィアの）「Don’t You Worry Child」、これはクラブミュージックみたいなアップビートの曲ですけれど、物凄く盛り上がってくれて、僕らは「マジかよ！」て感じになってしまって、完全にアイドルグループ状態でしたね。

... which was so funny. We were walking around the hallways of Briarcrest, and these middle school girls would run up to us screaming because they thought we were famous. But we're just high schoolers doing our thing!

…変な話ですが、ブライアクレスト・クリスチャン・スクールの廊下を歩いていると、中等部の子達がキャーキャー言いながら寄ってくるんですよ。私達が有名人だと思ってくれていたみたいで、でもその頃はまだ、普通の高校生でしたけれどね！

With the help of OneVoice, the choral program at Briarcrest grew from 150 to 350 singers in a few short years. OneVoice was named Memphis's best unknown band in 2011, but they wouldn't be unknown for long. In 2012, the group won the wild card round of the International Championship of high school a capella, and competed at finals in New York City.

ナレーション

OneVoiceのけん引力もあり、ブライアクレスト・クリスチャン・スクールの合唱部は部員数がほんの数年間の間に150名から350名に増えました。2011年にはメンフィスで活動する無名の音楽系部活動としては、最高の団体と評されます。ただその「無名」も永くは続きません。2012年の全米高校生アカペラ選手権（ICHSA）に出場したOneVoiceは、敗者復活戦を勝ち抜いてニューヨーク市で開催された決勝大会に出場を果たします。

So, then we did the wild card to get to New York. And I remember like filming out in the one of the hallways because the acoustics were really great and everything. And then that we just, I think, we, pretty much just like, obliterated the wild card competition. And of course, I like winning!

ということで、敗者復活戦を勝ち抜いて、ニューヨークへ行けました。今でも憶えていますが、その時の動画を、学校内のあちこちの廊下で流してくれたんです。あそこは音響とか、条件が良いですからね。あと、敗者復活戦についてはですね、まあ、今思うに、完全に圧勝した、そんな感じですね。勿論、勝つこと自体は、私嫌いじゃないので！

In 2014, the group traveled to Kettering, Ohio, otherwise known as “the center of the high school acapella universe.” For their national festival, they had been invited to perform on the showcase concert with a new group who had just won (NBC's) The Sing-Off (in November 28, 2011); Pentatonix.

ナレーション

2014年、OneVoiceは「高校合唱界の聖地」オハイオ州のケタリングへと向かいます。ここで開催された全米高校合唱祭で、招待演奏の舞台に立つためです。この時同時に招待されたのが、NBCの人気番組「The Sing-Off」を勝ち抜いた新星アカペラチームのペンタトニックスです。

Yes, great! Wow! I probably sound crazy right now, but I'm enjoying this to say the least. You all are so in tune. It's so good! Sooo good! Unbelievable!

＜本番の観客席での収録音＞

これは凄いなあ！イエーイ！何だかアホみたいな声が入っちゃったかな、でもこれは少なくとも、聴いていて楽しいわ。音もバッチリ合っているし、スゴイ、スゴーイ！信じらんねえわ！

And then obviously said like, “Oh, yeah! That's a good bass!” And that's the only thing anyone ever mentioned about the bass. But that's all I needed!

その後ハッキリ「マジで、ベース良かったわ」て言ってくれたんですよ。ベースの事を言ってくれたのは、これだけだったんですけどね、でもこれを言ってもらいたかったんですよ！

I was just hoping that, you know, I did my best and that we prepared as best we could. And I think we did that. So, it was awesome. It paid off.

とにかく自分としてもベストを尽くしたかったし、チームとしても自分達のできる最高の演奏まで持っていきたかった、それだけでした。そこは達成できたと思っています。結果は本当にビックリで、報われました。

Later that year, at the Contemporary A Cappella Recording Awards (CARA), Hannah Olivia would win best high school solo for “Gravity.” And their album would win best high school album. The group also became Sony recording artists with the project “Elvis A Capella.” Recording had become a key element of the OneVoice experience.

ナレーション

大会のあった同じ年、CARA（コンテンポラリー・アカペラ・レコーディング賞）で、ハンナ・オリヴィアが高校生のアルバム部門で、「Gravity」のソロで最高賞を受賞、グループのアルバムも高校生のアルバム部門で最高賞に輝きます。OneVoiceはソニーレコードとレコーディングアーティストとして契約し、「Elvis A Capella」プロジェクトに参加、これがOneVoiceにとってカギとなる経験となりました。

It was my first experience in a studio. And I just felt like a superstar being in there, like an actual recording studio in the booth with you guys behind the glass, in my ear (phone), and it was kind of weird just singing the one part, you know, over and over again and the way it was, you know, broken up, but it was an awesome experience.

スタジオ収録なんて、生まれて初めてでした。なんだかスーパースターにでもなったような気分で、実際レコーディングスタジオのブースに入って、今日いらしているようなスタッフの皆さんがガラス越しにいて、僕はイヤホンなんか着けちゃってですね。レコーディングですから、一つのパートを何回も録って、なんか変な感じでしたけれど、それを分解してというやり方で、でも本当に凄い経験でした。

Working with a team of a capella superstars, OneVoice would go on to earn 34 CARA (Contemporary A Capella Recording Awards) nominations and 13 awards more than any group of any kind worldwide except for multi-platinum Grammy-winning Pentatonix.

ナレーション

OneVoiceはアカペラ界のトップスター達との共演を積み重ね、CARAでは34回のノミネート、13回の受賞を果たします。この実績は全世界を見ても、これに匹敵するのは、グラミー賞で何度も最高賞に輝いた、ペンタトニックスだけです。

JD (James Daniel Frizzell) reached out to me and wanted to take OneVoice and the whole Briarcrest program really to another level. And I'm glad. I answered that email because it's been quite a ride eight, nine, ten CDs later. And here we are! And I think the most fun part for me are all the relationships that I've been able to witness and become a part of over the years. The music has been pretty special as well.

デイヴ・スペランディオ　プロデューサー、ヴォーカル指導

顧問のJD先生から私に連絡があって、OneVoiceとブライアクレスト・クリスチャン・スクールの合唱部全体の活動を、次のレベルの段階に持って行きたいというのです。私それを聞いて嬉しくてね、メールで二つ返事でしたよ。その後、CDは8枚、9，10枚だったかな、出しまして、今じゃご存じの通りですよ。私にとって一番楽しかったのは、彼らと色々な形で関われて、何年にもわたって彼らを見守ることが出来たことです。彼らの音楽も、とびきりピカイチですしね。

I've arranged, I think, over 50 songs for the group in the last seven to eight to nine years. It's been really amazing to be part of creating the sound of OneVoice from the bottom up. It's just really been amazing to be part of the evolution of the group as they become one of the best high school groups in the world, and really the standard bearer for what high school acapella can be.

ロバート・ディーツ　編曲、プロデューサー

この7、8年で彼らには50曲以上はアレンジ譜を書きましたかね。OneVoiceとはボトムアップの頃から、サウンド作りのお手伝いをさせてもらって、本当に素晴らしい経験をさせてもらっています。今や世界一の高校の合唱グループとしての実力を誇る彼らですが、その進化の過程に関われたのは、本当に良かったです。高校生のアカペラが、やればここまでできるぞという、本当にその指標を世界中に示しましたよね

With the attention gained from the recordings, OneVoice started to get more live performance opportunities as well. They performed for The Sing-Off live tour, five years of the national a capella festival, and two conferences of the American Choral Directors Association (ACDA). They were the first pop a cappella group to be given a traditional choir performance slot at southern division ACDA

ナレーション

レコーディングを重ねるごとに世間の注目を集め、OneVoiceはライブ演奏の機会も増え始めます。NBCの人気番組「The Sing-Off」の公式ライブツアー、全米アカペラフェスティバルに5年連続出演、米国合唱指導者協会（ACDA）の総会には2度の出演を果たします。ACDAの南部支部では、ポップスを主とするアカペラチームとして初めて、クラシックのステージ枠を獲得しています。

OK, it's definitely ACDA, 100%, because, you know, how a lot of directors go to the show there. And you know, they usually have a really blank face and they just stare at you like this (with his eyes wide-opening).

はい、間違いなくACDAです。全米の合唱指導者の先生達が沢山出席する、あのACDAで間違いありません。いつも呆気にとられたような表情で、こんな感じですよ（目を大きく見開いて）。

For just a couple of characters, it was definitely stressful. But I think we performed actually very well.

中には確かにイラついている人達もチラホラ見受けられましたけれど、僕達はかなり良いパフォーマンスが出来たと思っています。

Filming that video was really exciting because I think it was... I think that was the first video that we really had of our group. And so, it was really special to see it spread past Briarcrest.

撮影をしてもらえるなんて、本当に嬉しかったです。だって…自分達のグループの映像を本格的に撮ってもらえるなんて、あれが初めてでしたからね。学校中で流してもらえて、あれは本当に特別な経験でした。

At one national a cappella convention, they had a master class with Grammy-winning British vocal group, The Swingles, who invited them to be their opening act at the London A Capella Festival. At that event they also collaborated with choral crossover stars; VOCES 8, and The Sing-Off Season 4 contestants Vocal Rush.

ナレーション

ある全米規模のアカペラのコンヴェンションで、OneVoiceはマスタークラスに参加、この時一緒に参加したザ・スウィングルズが、ロンドン・アカペラ・フェスティバルでの自分達のオープニング演奏で、OneVoiceを招待します。その席でコラボレーションしたのが、クロスオーバーコーラスの人気グループの面々、ヴォーチェス8、そして「The Sing-Off」のシーズン4に参加したヴォーカル・ラッシュです。

I was really nervous. But this guy came to talk to me and he was like, “Hey, you did a great job! Really proud of you!” And I was like, “Do I know you?” And he goes, “No, but you've probably seen me on TV before.” And I was like ... He was like, “Have you ever seen Myth Busters?” And I was like, “Yes,” and I looked at him and it was Adam (Whitney) Savage from MythBusters!

凄く緊張しました。でもこの方から僕に話しかけてくれて、そうしたら「やあ、君達本当に凄く良かったよ！いい仕事をしてくれて、嬉しいよ！」それで僕は「あの、どこかでお会いしましたでしょうか？」と伺ったら「いや、でも君の方は、僕のことを多分テレビで見たことがあると思うよ。」それで…更に「怪しい伝説、て番組見たことあるかい？」それでよく見たら、「怪しい伝説」に出演している、アダム・サヴェッシだったんですよ、なので「はい、あります」と答えちゃいました。

That was like one of the coolest things ever like performing for The Swingles, and then doing stars with like VOCES 8. That was like insanely cool. It was powerful.

ザ・スウィングルズの本番に出させてもらって、しかもヴォーチェス8みたいな凄い人達と一緒にやれて、最高でした。ゾクゾクするくらい最高でした。いっぱいパワーをもらいました。

I also really enjoyed going to London.

ロンドンにまで行くことが出来たのも、すごく楽しかったです。

2016, arguably the group's busiest and most visible year, the group teamed up with the production team at Briarcrest to Macy's (All-School) A Cappella Challenge, hosted by Pentatonix with a 25 000 cash prize. They won.

ナレーション

2016年はOneVoiceにとって、それまでで一番忙しく、本番出演の度に移動も多い年になりました。百貨店のメイシーズが、ペンタトニックスと提携して実施した「メイシーズ・オールスクール・アカペラ・チャレンジ」に、学校のプロデュースチームと連携して出場、賞金25,000ドルをかけたこの大会で、見事優勝を果たします。

When I think you told us on a bus, I think you already knew, but we were just like, I was like, “Wow!” And then we got the giant check at Briarcrest, which was really cool.

バスで移動していた時、（インタビューアーに向かって）あなたは事前に知っていたんだと思うのですが、知らせを聞いて、もう僕達は「やったぜ！」みたいな感じで、学校に戻ったら、あの大きな賞金のパネルをもらって、もう最高でした。

That same group went on to be chosen as a contestant on America's Got Talent. They made it all the way to the judge cuts round.

ナレーション

おなじくOneVoiceは「America’s Got Talent」（AGT）に出場し、ライブショーに出場できるかどうかを決める「ジャッジカット」まで駒を進めます。

We make that round. It was crazy. But definitely one of the most thrilling experiences when we walked out on there on the stage. And I saw Simon Cowell and all those judges. I was like, “Wow!” This is really surreal.

目標としていたラウンドまで進めて良かったです。でも一番ドキドキしたのは、何と言っても、あの舞台に実際に登った時です。サイモン・コーウェルとか、テレビで見ていたジャッジ達が目に入りました。「おお、すげえ！」て感じで、実感がわきませんでした。

I didn't like it... I LOVED it!

サイモン・コーウェル

僕は「好き」ではありません…「大好き」です！

After America's Got Talent, the group was in high demand with gig requests coming in from as far away as Portugal. They again open for The Swingles; this time at ACDA Eastern Division.

ナレーション

AGT出演後、OneVoiceには出演依頼が更に殺到し、遠くポルトガルからも声がかかりました。ここで再びザ・スウィングルズの前座を務めます。この時の会場はACDAの東部支部での舞台です。

My fondest memory was when we had the opportunity to sing for The Swingles.

ザ・スウィングルズとの共演は、僕にとっては最高の思い出です。

We got to sing for The Swingles, and it was just like the best feeling ever.

またザ・スウィングルズと共演できて、本当に最高の気分でした。

I guess it was just a moment where I was just, I was so wrapped into it. I didn't realize that everyone was like applauding, and they all stood up and gave us a standing ovation in the middle of our set, which is unheard of. And so, it was just the coolest thing because we were all so into it emotionally that it was like tears. It was just crazy

とにかくその時は、自分達の演奏に完全に集中していて、全然気づかなかったのですが、聴いている人達から、すごい拍手をもらったみたいで、そのあと、まだプログラムの途中だったのに、スタンディングオベーションまでして頂いて、あんなの聞いたのは初めてでした。もう最高過ぎて、私達全員、気持ちが高ぶって、涙が出てきてしまって、もう本当に有り得ない経験でした。

Perhaps the biggest gig ever came when OneVoice was invited to perform at the 70th Annual Emmy's Governors Ball events.

ナレーション

OneVoice史上最高の舞台と言えるかもしれないのが、第70回エミー賞ガバナーズ・ボール（Governors Ball）での招待演奏です。

That has been an incredible experience that I will always cherish and carry with me.

あれは本当に凄すぎる経験で、今だにずっと大切な思い出として心にしまってあります。

Just being able to see all the, you know, the celebrities that you hear about; you see on TV. Seeing all them, performing for them, you know, you're entertaining the people who entertain you! It's kind of cool!

テレビで見たり聞いたりしたことのある有名人の方達とお目にかかれて、そんな人達を目の前にしながら、その人達のために自分達のパフォーマンスを披露して、普段楽しませてもらっている人達を、自分達が楽しませているなんて、こんな最高な事ってありますか！

I mean like, it was ... it was crazy. I still can't believe that we did it. And the weird thing to me is like, now that I've done that I feel like I can sing like anywhere comfortably, you know, and not be nervous.

とにかく…とにかく有り得ない経験でした。未だにあそこでやれたなんて、信じられません。それと変な話ですが、あの本番以降、どこの舞台に上がっても、気分良く落ち着いてやれるようになって、全然ビクビクしなくなりました。

Being on the red carpet, it was definitely nerve-wracking, but because of that, I kind of gained confidence through that. And it was actually really really fun, and it went by so fast.

レッドカーペットの上に立って、本当にビビりました。でもあの時の経験のおかげで、何ていうか、自信がついたと言うか、それに実際すごく楽しくて、時間があっという間に過ぎた、そんな感じです。

To see that that growth over the last ten years, it's amazing and it's just so ... so incredible to imagine where it's going to go in the next ten years, in the next twenty or thirty. You know, I mean, who knows, guys? I love it!

ここ10年の活躍ぶりを見ていると、本当に凄いです。そしてとにかく…まあ凄すぎて、この先10年後、20年後、30年後、どうなっていくのか、想像ができませんよね。そんなの、誰が想像できますか、て話です。まあ、僕は本当に素晴らしいと思っていますよ！

And more... You know, for the group was never never good enough. You know, always ... not in a negative way, but just in a sort of, “OK, how can we make this better? You did good, but we can make it even better?” You know, so I ... It's a lot easier to be aware of, you know, when someone says, “Uh! That'll be fine!” And I do that. I do that sometimes. But ... except because OneVoice never compromises anything. Ever!

OneVoiceには「もうこれで十分良い」というのは、絶対にありえません。常にですね…これは悪い意味じゃなくて、とにかくある意味「よし、ここから更にどうやって、もっと良い状態にしていこうか？ここまでは良かった。しかし、もっと良い状態に出来るんじゃないかな？」ですから、誰かに「いやあ、これは本当に凄いですね！」なんて言われて、そう自分達を自覚する方が、うんと楽だと歯思うんですよ。僕も今の普段の生活は、時々そうですから。でもOneVoiceは、全てに妥協しません。これまでも、これからもです！

<Dr. J. D. Frizzell director of fine arts, Briarcrest Christian School>

Every year the group seems to somehow push themselves to want to be even better.

ジェームス・ダニエル・フリッツェル（ブライアクレスト・クリスチャン・スクール芸術科主任教員）

毎年このグループは、自らの意思で向上していこうという姿勢が見られます。

Definitely a character builder. But I think that's because of us as a whole, and (pointing at the interviewer) you, as the head, really just, you know, having somebody clearly so passionate and like, “We're going to do this, and do it right.”

人間形成上、大いに役に立つ機会であることは、間違いありません。だた思うのは、それは私達が1つのチームとしてですね、（インタビューアーに対して）あなたが先頭に立って、明らかに人を熱い気持ちでやる気にさせてくれて、「これからこれに取り組みます、これをキチンとやっていきましょう」と明確にしてくれているからじゃないでしょうかね。

I would say it's a lot of work, but in the end, you are able to constantly over and over again see the hard work that you put into this group, and what it does for other people. You're able to make an impact on other people through your work.

確かにやることは沢山あります。でも最後には、一生懸命やったことがグループの中に浸透していって、自分以外の人達に、自分が努力したことがもたらすものが、いつでも、何度でも目に見えてわかるんですよね。自分が頑張ったことが、他の人にも影響をもたらすことができる、てことです。

When I was starting high school, Dr. J. D. Frizzell was also recently starting at Briarcrest. And I had the opportunity to watch essentially OneVoice be created, be this idea that got started. And looking at it now, not only is it national, it's worldwide. People know who OneVoice is. People know who Briarcrest is.

私自身が高校入学と同時に、フリッツェル先生もブライアクレスト・クリシュチャン・スクールで本格的に指導を始めました。私は有難いことに、OneVoiceが誕生して、これから始めるぞ、となった、その核心を見届けることが出来ました。そして今見てみれば、全米だけでなく、全世界で活躍中です。OneVoiceとは何か、そしてブライアクレスト・クリスチャン・スクールとは何か、今ではアメリカの人達は誰もが知っています。

<Dr. J. D. Frizzell director of fine arts, Briarcrest Christian School>

This is what young people can offer the world. And I think it's really special. I think it's something that gets overlooked.

ジェームス・ダニエル・フリッツェル（ブライアクレスト・クリシュチャン・スクール芸術科主任教員）

OneVoiceの取り組みは、若い世代が世界にもたらすことができる、その可能性を示してくれています。私の考えでは、他にはない性格を持つ特別な団体で、その点は、意外と見落とされがちだと思っています。

OneVoice is a true example of the pinnacle of what music education can do. It's really incredible what these high schoolers have been able to achieve. They have really performed at a professional level. And it's something that the whole world should see.

ジョン・スミス（ザ・スウィングルズ　アレンジャー兼メンバー）

OneVoiceは、学校の音楽教育はここまで凄いことをやれるぞという、そういうお手本に間違いありません。高校生である彼らが、ここまでやれるなんて、本当に素晴らしい限りです。パフォーマンスはプロとしてやっていけるレベルです。これは全世界が注目すべきことですよ。

The thing that's incredible about OneVoice is their perpetual commitment to emotional vulnerability. They sing each song with their hearts as well as their voices. And to do that with incredible consistency is the result of the prowess, the brilliance of JD (Dr. J. D. Frizzell) and the environment in which he's creating this wonderful music.

ディーク・シャロン（映画「ピッチ・パーフェクト」「The Sing-Off」音楽プロデューサー）

OneVoiceはなにが凄いかと言えばですね、彼らは自分達の感情的な弱さや繊細さを、堂々とさらけ出してくるわけです。そういうのって、下手をすると自分で自分の首を絞めることになりかねないのにです。でもそこが、彼らの真摯な姿勢なんです。彼らは声もさることながら、心も一つ一つの曲にしっかり込めて歌ってきます。それを見ていて驚くほど一貫してやってのける、それはひとえに、顧問のJD先生と先生が紡ぎ出す素晴らしい音楽の世界が存在する環境、それがもたらす、言ってみれば英雄的な行動の結果ですよ。

Anna Stewart

Definitely...

Bethany Neal

... not...

Anna Strong

...pitch!

Perfect!

ASt

We knew what!

ASg

Yeah, I always get asked, “Oh, is it, like, Pitch Perfect?” No!

No, no, no.

ASt

Much more work!

Anna Stewart

全然…

Bethany Neal

…違いますから…

Anna Strong

…「ピッチ…

…パーフェクト」とは！

ASt

うちら皆そう思ってるわよ。

ASg

そうそう、私なんかいつも「わかった、それってピッチパーフェクトみたいなもんでしょ？」て訊かれた。違うっての！

全然違います！.

ASt

練習量が桁違いだから！

Everyone is very driven in this group, and they all know what they have to do, and they all do their work, and they get it done. And so, if you're the only one that's off or anything, it's really embarrassing and nerve-wracking.

メンバー一人一人が、物凄くアクセルを踏み込んでやっています。自分がすべきことを全員が良く理解していて、一人残らずそれをこなして、成し遂げるのです。自分だけがそこから外れているとか、そんな感じだと、気持ちが落ち着きませんし、神経が磨り減る思いがします。

I think in general looking back on now, it's somebody who's a little bit older; it's just ... it's a point of pride more than anything of just being really really grateful for the opportunities.

今振り返って、あの頃のこと全体を考えてみると、当時は自分より少しだけ年上という、先輩達が、自分と大して変わらないのに、自分を導くなんて役割を負ってくれて、そして様々な機会が自分に与えられていたなと、そのおかげで今の自分があるわけで、それを有難いと思い続けている自分が、チョッとだけ誇らしいかなと思っています

I can't just walk out into college or wherever you go, and expect to get an offer from America's Got Talent or get an offer to jump and open up for The Swingles in London that just doesn't happen.

高校卒業した後、軽い気持ちで大学でもどこでも行ってみて、AGTにしろロンドンでザ・スウィングルズにしろ、そんな機会なんて、あるのかと言えば、滅多にそんなものは、ありえませんから。

Having OneVoice in my life as an experience as a teenager has greatly impacted my life in general. I think that OneVoice is the perfect example of what a team should be.

自分の人生、10代の頃にOneVoiceを経験できたことは、全てに大きな影響をもらっています。チームとか集団とはどうあるべきか、その文句なしのお手本がOneVoiceだと思います。

It taught me so much about friendship and how to work with people and how to be a team player. And I think I've carried that into everything that I do (now).

友達との関係、他の人達と一緒に物事に取り組む、チームの一員として立ち居振舞う、そういうことを、OneVoiceは沢山教えてくれました。そこで学んだことを、今普段の生活の全てに活かしていると思っています。

We're a family, you know. I mean that's the closest I've ever been to any... I mean, they go way beyond friends or acquaintances.

私達は親兄弟同然です。自分以外の人達と、こんなに近しくなったのは…つまり、友達とか、知り合いとか、そういうのを越えた存在だと言うことです。

Those people, some of them are still my best friends.

当時のメンバーの何人かとは、今でも最高の友人として付き合っています。

I would not have graduated high school, had it not been for OneVoice, for being a high schooler that didn't love school, it was just the greatest thing ever.

OneVoiceがなかったら高校卒業できなかったかもしれません。ただの高校生でいると言うだけでは、学校は好きになれなかったし、そういった意味で、OneVoiceはとにかく最高の経験でした。

It saved me a lot of ways. It was my outlet. It was the thing that I looked forward to doing every single day.

OneVoiceは本当に沢山の意味で、私の救いになってくれました。自分の感情を存分に表現する手段でもありました。毎日OneVoiceの練習や本番に取り組むのが、楽しみだったのです。

That was such an important part of high school for me, having the opportunity to find myself in music.

音楽に取り組む中で、自分とは何かを発見できた、そんな機会をくれたOneVoiceは、自分にとって高校時代の凄く大切な部分を占めています。

I feel like when you're in it, it's a lot more experiential in the ways that ... That's where some of the most impactful moments in my life have come from.

OneVoiceの中にいた頃は、物凄く沢山の経験をして、それは…自分の人生の中で、一番インパクトのある瞬間は、この時の経験から湧き上がってきます。

Well, OneVoice was the reason, you are the reason that I started singing. Without you, I would not be where I am. OneVoice definitely shaped me in that way, taught me many things.

OneVoiceの皆さん、皆さんのおかげで、歌を歌うようになりました。皆さんが無かったら、今の自分は有り得ません。今の自分を育ててくれて、沢山のことを教えてくれた、OneVoiceは間違いなくそういう存在です。

Just save your every moment before every performance, just close your eyes and really try to take it in before you start, because when it's gone, it's gone.

後輩の皆さん、どんな本番でも、全て、本番直前の瞬間というものを毎回大切に記憶に残そう。演奏が始まる前は、両目を閉じて、その場の空気感や自分の思いを、自分の中にしっかり取り込もう、なぜなら「今この瞬間」は、終わってしまったら、二度と戻っては来ないからね。

https://www.youtube.com/watch?v=Uy6kBvuGLOk

2026/03/26

Filmed Live at Briarcrest Christian School

Produced by J.D. Frizzell, James Cheney, Ben Cole, Alex Green, Alexander Koutzoukis, Angela Ugolini, Eric Scholz, and John Dollahite.

Arranged by Rob Dietz

Soloist Sabella Holt

OneVoice is a high school a cappella group directed by Dr. J.D. Frizzell

2026-08-21

英日対訳：内田光子 (日・Pf) 2021 The Cleveland Orchestra モーツアルト／シューベルト／アメリカの家族

https://www.youtube.com/watch?v=Kb4VDB0zQH4

アメリカの家族として

2021/2/1

Mitsuko Uchida | Franz Welser Most and her Cleveland Musical Family

The Cleveland Orchestra

The Cleveland Orchestra is my American, musical family, as an orchestra. And the public is an extension of that. The Cleveland orchestra public is basically a part of my family.

クリーヴランド管弦楽団は、楽団丸ごと、私のアメリカの「音楽での家族」です。そしてファンの皆様方は、その延長線上にいらっしゃいます。クリーヴランド管弦楽団のファンの皆様方は、私にとっての家族、これは私の思いの土台です。

So I wanted to share when I was asked, would I do it, of course I jumped at it because it would be such a wonderful opportunity to be saying "Hello," to the Cleveland public and also to be sharing a program with Franz (Franz Welser-Möst) was a wonderful idea. And of course, if it is Franz, I wanted to play Schubert.

ですからお誘いを頂くなら、皆様方とそれを分かち合いたいですから、当然飛びつきます。「また来たよ」と言えるなんて、こんな素晴らしい機会がありますか。そして今回は、フランツ・ウェルザー＝メストと一緒に公演に関われるなんて、嬉しいことです。指揮者がフランツだというなら、私はシューベルトを是非弾きたい、そう思ったのです。

Franz is a very special, very difficult to catch type of musician and person actually, but he is ... so therefore, forever interesting. And it was pure pleasure doing some Bartók as well recently and there are some Mozarts that I did with Franz that was really a dream.

フランツは本当に特別な存在です。音楽家としても人としても、中々簡単に底が知れる人物ではありません。でも…だからこそ、興味が尽きない方なのです。そんなですから、ここ最近ではバルトーク、それと以前にはモーツアルトをフランツと一緒にやれたことは、私にとって本当に夢の様でした。

So there are loads of things that I will still explore and discover some more repertoire with him.

今後も彼と演奏する機会の為に、もっとレパートリーを漁って突き詰めていきたい、やるべきことが山積みです。

https://www.youtube.com/watch?v=fQmG_U_IYoQ

優れた芸術作品に触れること

2021/2/17

Mitsuko Uchida | Transporting Audiences through Great Music

The Cleveland Orchestra

Because there are challenges and music... whether there are challenges or not ... music is something that is so important for humanity.

音楽には、成長の為に乗り越える壁がいくつも用意されているからこそ…まあ、それが在っても無くても、音楽とは人が人であるために、とても大切なものです。

And it is different from what words do. Where the words end, music starts. Music starts from silence, and from there music grows.

そして音楽の成せることは、言葉とは異なるものです。言葉が尽きるところから、音楽が立ち上がるのです。言葉が尽きた沈黙から、音楽は立ち上がって、そこから成長してゆくのです。

And the greatest music we have that is such treasure for us, and interestingly, it's a fact that apparently that when you let children listen to Mozart's music, their IQ goes up.

そして私達の財産である音楽の中でも、特に素晴らしいものは、これは面白いことに実際のところ、モーツアルトの音楽を聴かせた子供は、知能指数が上がるなんて話があるくらいです。

And there is something in the greatest of music that stirs in people, in people's hearts, in people's minds, and in people's soul.

特に素晴らしい音楽と言うものは、人の中に入って、心に入って、頭の中に入って、魂の中に入って、人を揺さぶり、かき立てるものです。

But something that other things don't. There is some great art. There is what I do love to go and see, for example, The Resurrection of Christ in San Sepolcro by Piero della Francesca.

でもこういうことは、そうでないもの（素晴らしい音楽とは言えないもの）が成すことはありません。芸術作品の中には、素晴らしいものがあります。例えばピエロ・デラ・フランチェスカの描いた「キリストの復活」、これなどは私は大好きで、実際に絵を見に出かけていくほどです。

But I am not a Christian, I'm not religious at all. And yet, every now and then, once every three, four, five years, I want to stand in front of that painting to see what it means, what that means.

と言っても、私はキリスト教徒でもなければ、宗教にハマっているわけでもありません。それでも機会を見ては、3年か4、5年に一度くらいのペースで実際にその絵の前に立ってみて、その絵が意味するものを感じ取ろうとしています。

Because there in that painting, a man stands who has been dead. And that is such an experience. And in music, in every music there is something... in great music, there is something different.

なぜ私がそんなことをするのかというと、その絵の中に描かれている一人の人物は、既に息絶えているはずの人間だからです。そういう出来事が描かれている絵の前に立って、意味するものを感じ取ろうとする、これはまたとない経験だからです。そして音楽にはそれぞれ、込められているものがあって…素晴らしいものとなると、また一味違ったものがそこにはあるものです。

And people can experience different emotions and make discoveries and you can be transported. And so therefore it is so important. And pandemic or not, it has to be continued. It has to be kept up.

そして様々な心の揺れ動きを、人は経験して、様々な発見を得ることができて、今自分がいる処から、離れてゆくこともできるのです。だからこそ、こういうことが大切だと言っているのです。パンデミックの時代だろうといつだろうと、関係ありません。どんな時でも続けてゆく、手放さずにいる、これが必要なのです。

Not to say, "Oh, there are easier things." Of course there are easier things, but what music brings, and what great literature also can bring; Shakespeare's plays, or some poems, a little poem of Paul (Éluard), or great paintings, those can bring some things to people that other everyday life may not.

「そんなこと言って、もっと手軽なものがあるじゃないか」などと、言うものではありません。確かに手軽なものは、色々とあります。でも優れた音楽や優れた文学、例えばシェイクスピアの演劇やポール・エリュアールの詩作、あるいは優れた絵画といったものは、日々の暮らしの中にある「手軽なもの」には叶わないようなものを、人にもたらしてくれるものです。

https://www.youtube.com/watch?v=aAF4JHKCdiY

楽団員とのエピソード

2021/2/23

Mitsuko Uchida | On Her History with The Cleveland Orchestra

The Cleveland Orchestra

My relationship with Cleveland Orchestra actually existed before anybody knew; that I loved The Cleveland Orchestra. Because I, as a student, I loved already (George) Szell recordings. And some of them with Leon Fleischer, the Brahms piano concerto, etc. And I also have heard some Mozart recordings and I thought this is something so stunning.

クリーヴランド管弦楽団と私との縁は、実は私一人の世界の中での関りが出発点なのです。私は学生の頃にクリーヴランド管弦楽団の演奏が大好きになりました。すでにジョージ・セルのレコードも幾つかお気に入りがありましたし、他にも気に入って聴いていた中には、指揮者でピアノ奏者でもあったレオン・フライシャー、彼のブラームスのピアノ協奏曲とかも、それからモーツアルトも幾つか聞いていて、これは衝撃的だと思っていたのです。

And I loved the... it was not the precision, which there was, but it was the transparency of the music that I never heard anywhere else. And I always loved and admired The Cleveland Orchestra.

お気に入りだというのは…正確無比だからではありません。何を演奏したいのかが分かり易くて、他で聞いたことのないものだったからです。クリーヴランド管弦楽団の演奏は、いつもずっと大好きで素晴らしいと思ってきました。

And one day my friend, Tom Morris, was the executive director and then he, before even I was officially invited as a soloist, he asked me why don't I come and visit Cleveland and listen to this wonderful orchestra, which I certainly did immediately. And so it started.

ある日、楽団のCEOで私の友人のトム・モリスが、まだ私がソリストとしても招かれたことすら無かった頃に、楽団の演奏を聴きに、遊びに来ないかと言ってくれたのです。こんな素晴らしい楽団ですから、私は勿論すぐに行きました。これがその後のご縁に繋がるキッカケだったのです。

When I first played with them, first there was a Blossom concert with the Mozart concerto and then in the... in the Severence Hall there was a Schubert concerto.

私が初めてクリーヴランド管弦楽団とご一緒したのは、夏のブローサム・ミュージック・フェスティバルでのモーツアルト、その後は…本拠地のセヴェランス・ミュージック・センターでのシューベルトの協奏曲でした。

But even with the Mozart concerto in the Blossom, some of the players came to me and said, ... well, actually it was... I don't know his name but it was the one from the first violin section with a long, long beard and he came up to me and tapped on my shoulder and said;

でもブローサムでモーツアルトを弾かせて頂いた時に、楽団員の何人かが私のところへ来てくれて、仰ったのが…実は名前を存じ上げていなくて、確か第一バイオリン奏者の方で、ウンと長いひげを蓄えていた方でしたが、私の方に来て、肩をポンと叩いてこう仰ってくださったのです。

“You know darling, you know that we know, I know what you want. Why don't you get rid of the conductor and play Mozart concertos with us without?”

「お前さん、あのな、お前さんもきっとやってみたいと思っているんじゃないかと、俺達思って声を掛けているんだけどな、どうだい、指揮者無しで、俺達と一緒にモーツアルトの協奏曲をやってみないか？」

And I looked at him and said, “Oh! Are you sure? Are you serious?” He said, “Yes, I am serious and many of us I'm sure are thinking like that.” So it started and so slowly, slowly it developed and then one day I said, “OK, let's try.”

私は思わず彼の顔をじっと見て「本当ですか？マジですか？」そうしたら彼は「本当さ、マジさ。そう思ってる楽団員は沢山いるって、俺は間違いないと思うよ。」そうやって話を少しずつ少しずつ進めていって、ある日私から「分かりました、やってみましょう。」

And we first did some chamber music together, and then we did the concert in the Severence and somehow, it was a hit and from that came the complete concerto series.

まずは室内楽の規模で一緒に演奏する機会を持った後で、セヴェランス・ミュージック・センターでコンサートを行いました。それが何だか上手くいって、そこから協奏曲の全曲連続演奏が始まったのです。

Because I loved the players, I still love the players. I love, I know so many of the players personally, musically personally, as well as personally and I loved playing with them and I wanted to have something of that ... what we did together to remain somewhere and that's why I did it.

それもこれも、私が楽団員の方達のことが、今でもそうですけれど大好きで、多くの方達とは、演奏面だけでなく個人的にも親しくさせていただいて、一緒に演奏させてもらえることが、本当に大好きで、ご一緒出来た成果がどこかに残っていくなら、是非そうしたい、そう思ったからこそなのです。

https://www.youtube.com/watch?v=TVmXCwV1wJU

シューベルト作曲のピアノソナタ

2021/3/02

Mistuko Uchida | On Schubert's Piano Sonata

The Cleveland Orchestra

Well, this D 840 (Piano Sonata No. 15 in C major, D 840 “Reliquie” ), I always loved. It starts from nowhere. It starts... it opens your world. And you think it is going to be rather lovely and strong and positive. And bang! ... there is a ... It is a non-modulation. It is in C major, which is very ... It is a strong open key.

このD 840（ピアノソナタ第15番ハ長調 D 840『レリキエ』）が、ずっと前から大好きなんです。曲はどこからともなく静かに始まります。始まったら…聴く人、弾く人の目の前がサッと開けるのです。このままイイ感じて、力強く、前向きに進むのかと思ったら、バーン！と…転調はありません。ハ長調のままです。ハ長調という、非常に力強く、そして開放的な調性のままです。

And normally in the classical sort of diatonic music that is in the sonata form, the first, the statement is in that in the tonic so this is C major piece starts on C major and that continues strongly.

普通のクラシック音楽でダイアトニック（全音階）の楽曲がソナタ形式で書かれれば、先ず主題提示部ではトニック、つまりここではハ長調で始まって、それがしっかり維持されて進みます。

And we are going to ... And second subject is going to be in the tonic that's sort of... Now, the second subject is going to be in a dominant. So one expects it to go to G major, just about, all right? And this one, he twists them and on one moment he twists it. And we are in B minor and then D major. And that is such a place as you may ... you never dreamt of.

そして次に…第2主題はトニックというか…定石ではドミナント、つまりここではト長調に進むところですから、そう予想するのが普通です。ですよね？ところがこの曲は、シューベルトがひねりを、あるところで加えてきます。まずはロ短調、次にニ長調というように…こんなこと、普通誰も予想がつかないでしょう。

It is not in this world and he takes you there. It is completely frightening and what he thought about it, what he... how he meant it. And then the F sharp minor is so ... it is just earth shaking, and so on.

普通に私達が知ってる世界とは違う場所へと、シューベルトが誘ってくれるのです。こちらはドキドキしますが、それこそがシューベルトの考えた…意図したことなのです。そして嬰ヘ短調が来て…こうなると足元から揺さぶられる感じがしてきます。そんなことが続くのです。

And then second movement comes back in C minor. And it... then when it ends, it disappears into nothing. And you expect a scherzo to start, which is never to come.

次はハ短調に戻ります。そして…曲の締めくくりは、どこへともなく消え失せていくのです。じゃあ、次はスケルツォかな、と思いきや、いつまで待っても、それは出てきません。

So it sort of makes me think as if it was the world where ... when he was around the time of his life, in which he was... when he was composing this, because he knew he was quite soon to die.

それで私としては何となく思ったことがあって、この曲が描いている世界は…シューベルトがこの曲を書いた頃は人生のどんな局面だったかを描いているのではないかと、というのも、当時彼は、自分の命は、もう先が長くないと悟っていたのです。

And so for him, to be faced with this horrible notion of death, and yet having certain longings and certain beauty, this is so Schubert. And that he couldn't continue at all is

something so... for me, it is beautiful

シューベルトにとっては自分の死が迫っているなんて、恐ろしいことに直面しなければならない、それでもなお、幾つもの望みを抱いて、ある種の美しさをもつ、これがシューベルトの在り様だったということです。結局長くはもたなかったということも、ある意味…私から見れば、それもまた美しく思えます。

https://www.youtube.com/watch?v=CWrAPg2ULj8

モーツァルトのピアノ協奏曲

2021/3/20

Mistuko Uchida | The Mozart Concerti

The Cleveland Orchestra

The Mozart piano concerti, I have always loved. It was so difficult to play. I thought I played so dreadfully badly that. Well… but that is something that I think about everything that I do, but anyway Mozart concerto is so difficult.

モーツアルトのピアノ協奏曲は、昔からずっと大好きです。かつては難しくて大変な思いをしました。酷い演奏をしたものだと思いました。まあ…でも自分の行いは、一つ一つ良く考えるべきものですから。それにしてもモーツアルトの協奏曲は、本当に未だに難しいです。

But one day in the early 80s at some point, I was asked by Englsih Chamber, who lost their pianist director, who canceled; that was actually Murray Perahia, that would I jump in. And I said, “I've never done it before. I play Mozart, some Mozart concerti, but I never play directed. So you must be joking.”

でもいつだったか、1980年代の最初の頃でしたかね、ある日イギリス室内管弦楽団からお誘いを頂いたのです。その時は、指揮者を兼任していたマレイ・ペライアが当初やるはずだったところ、急遽私が代打を務めたのです。最初私は「モーツアルトの協奏曲はやったことがありませんし、指揮をしながら演奏もやったことがありませんし、ご冗談はやめてくださいな。」

And they said, “No,” and I said, “Even if I'm dreadful what I want to do?” I said. (They said,) “Oh, we will follow you.” And so we started. And that was how I started for the first time play directing.

そうしたら「いえ、これは正式なお願いです」と仰るので、私は「私がやりたいようにやらせて頂いたとして、もしも酷いものだったらいけないでしょう？」そうしたら「いやいや、ついていきますから、どうかよろしく。」それがキッカケでした。そこから私は、指揮をしながら演奏するという事に取り組み始めたのです。

And in the 80s I did a lot in England in … between the English Chamber Orchestra and then Scottish Chamber Orchestra as well. And then we ended up recording them complete with Jeffrey Tate.

1980年代はイギリスで随分沢山お仕事をさせて頂きました。イギリス室内管弦楽団、それにスコットランド室内管弦楽団ともご一緒させて頂いたことがあります。イギリス室内管弦楽団とは、ジェフリー・テイトの指揮でレコーディングをさせて頂いています。

And so that is so ... it is a long history that I have with Mozart concerti. And the longer I play, I live with them, the more wonderful they become.

そんなこともあって…私はモーツアルトの協奏曲とは、随分長い間付き合ってきています。その期間が長くなるほど、自分が共にある時間が長くなるほど、自分にとって益々素晴らしい存在になってきています。

And I know how they... I mean for example, I used to think although beyond 466 D minor concerto, that is 1785 beyond, is other than the great ones, but 84 those concerti for from 449 to 459, these are Köchel numbers, those are extra ordinary.

モーツアルトのピアノ協奏曲は幾つもあって…例えは以前は自分としては、K466のニ短調、つまり1785年以降の作品が良いなと、そう考えていた時期もありました。でもその後、1784年以前、つまりK449から459もとても素晴らしいと思うようになったのです。

And I love all of these different facets of the pieces. And those are… the concerti are pieces unlike the solo or violin sonatas. But he called ... Mozart called them piano sonatas with obligato violin.

それぞれが異なる持ち味があって、私はどれも大好きです。そして…モーツアルトの協奏曲は、ピアノ独奏曲やピアノ伴奏付きのバイオリンソナタとは、様子が異なります。モーツアルトは…「バイオリン付きのピアノソナタ」なんて言い方をしていますね。

And those are personal pieces; piano sonatas sort of pieces; rondeau A minor (K511), adagio B minor (K.540) those are very personal and private. And you want to be playing them actually quietly in your house but the concerti he wrote to be played to make a splash of a career and not that it is any better or worse, but it is to be shared with many people. So I enjoyed so far as all the type playing them

この辺りの作品は、近い距離で独りシンミリ味わいたいものです。ロンドK511イ短調とか、アダージョK540ロ短調とかは、そういう感じが強くします。ですから独り自宅か何かで弾いてみたいですね。でも協奏曲の方は、これは彼の作曲家としてのキャリアで得たものを、大いに発散して書いたものですし、良いとか悪いとかはともかく、多くの人達と一緒に楽しむようなものです。というわけで、私はモーツアルトのピアノ作品は、何でも全部弾いていて楽しいと思っています。

https://www.youtube.com/playlist?list=PL4DhzO3F-i_FR1VWDZ-b04HSaGyAy19cv

2026-08-19

英日対訳：アントワン・タメスティ (仏・Viola) 2023 Tram for Two パーヴォ・ヤルヴィ：ヴィオラジョーク

https://www.youtube.com/watch?v=3zv4Jmoye9w

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

2023/3/14

Tram for Two with Paavo Järvi and Antoine Tamestit

Tonhalle-Orchester Zurich

Paavo Järvi

Hello everyone. I am Paavo Järvi, the Music Director of the Tonhalle-Orchester Zürich. Welcome to “Tram for Two”. A new series where I take my guests on a ride through Zurich.

パーヴォ・ヤルヴィ

皆さんこんにちは、トーンハレ管弦楽団音楽監督の、パーヴォ・ヤルヴィです。「Tram for Two」動画サイトへようこそ。新しく始まりましたこのシリーズでは、ゲストの方を私が、トラムでチューリッヒ市内をご案内すると言うものです。

************

Welcome to another episode of “Tram for Two”. My guest this week is Antoine Tamestit. Well, how often do you take public transportation?

パーヴォ・ヤルヴィ

改めまして「Tram for Two」へようこそ。今週のゲストはアントワン・タメスティさんです。こういった公共交通機関は、よくご利用なさるのですか？

I do that. I took tramways before and I love actually...

アントワン・タメスティ

それはもう、以前はトラムをよく利用しました、それに私も大好きで…

But is this something you do often?

パーヴォ・ヤルヴィ

トラムはよくご利用になるのですか？

Yes. And as a Parisian, I was born in Paris. Somehow it's part of my blood.

アントワン・タメスティ

利用します。何せ私はパリっ子ですから、生粋のトラム利用者ですよ。

Tell me, when was the last time we played together? Do you remember?

パーヴォ・ヤルヴィ

ところで、前回ご一緒したのがいつか、憶えていらっしゃいますか？

I think the last time was October 2015.

アントワン・タメスティ

確か最後にご一緒したのは2015年の10月でしたかね。

That's right. So that's a long time ago.

パーヴォ・ヤルヴィ

その通りです。ずいぶん久しぶりです。

Long time ago. Too long ago, sorry.

アントワン・タメスティ

すっかりご無沙汰してしまって、すみません。

You travel with your viola all the time and this is not a viola joke yet.

パーヴォ・ヤルヴィ

いつも移動の際はヴィオラを肌身離さずお持ちになっている、おっと、これはまだ、ヴィオラジョークではありませんぞ。

Not yet.

アントワン・タメスティ

まだですね。

But do you have any issues with bringing it on board?

パーヴォ・ヤルヴィ

でも乗り物に乗る時には、問題が色々とおありではありませんか？

No, of course it's all a question of how I see it. I can see it as what it is, which is a work of art.

アントワン・タメスティ

無論、ありません。私がどう思うか次第ですから。これがしっかりとした大事に扱う代物だと言うことは、よく認識できているつもりです。

I think it's a Stradivari.

パーヴォ・ヤルヴィ

確かストラディバリウスでしたよね。

It's a Stradivari viola from 1672. It's 350 years old. You could compare it to a Da Vinci painting or something like this. But it is also my work tool that I have to care how to transport it.

アントワン・タメスティ

ストラディバリウス製で1672年に作られたものですから、350年くらい前のものですね。レオナルド・ダ・ヴィンチの絵画に匹敵する古さです。とはいえ、私の普段使いの仕事道具ですから、移動の際の輸送には、気を遣わないといけません。

Do you have any security?

パーヴォ・ヤルヴィ

安全対策はどうなさっていますか？

No. I used to be very scared the first couple of years. But I felt I can't go on like this. I can't have a heart attack every time because I'm considering its value.

アントワン・タメスティ

特になにも。この楽器を持ち歩くようになって、最初の数年間は、気が気じゃありませんでしたが、とてもそんな気分のままでは続けられないし、値段のことを四六時中気にしていたら、心臓に悪いですからね。

I try to ... It became a habit for me to care about it for its value. If people would see what I do they would feel I'm completely crazy. I'm a maniac of cleanliness, of humidity, of checking this and that, bringing it to the violin maker to check.

心がけて…価格について気に掛けるのは、慣れました。他人様から見たら、私のしていることは「頭おかしいんじゃないの？」と映るでしょう。潔癖症で、湿気に神経質で、あれもこれもとチェックしてばかりで、製造元に点検に出したりとかですね。

But it's part of the habit you have to get into. But otherwise, then when I play and also when I travel, it has to be practical.

でもそれも、自分の普段の習慣として、身に着きました。ただ、そういうことを除けば、実用性に耐えられなければいけませんから、普通に弾きますし、普通に持ち歩きます。

You are spending a lot of time in hotels, of course. And earlier we had a discussion about your realization of the size matters, so to speak. Now let's get serious here. Does size matter in general?

パーヴォ・ヤルヴィ

ホテルで過ごす時間も、当然多いと思います。それと以前、ヴィオラ奏者の方達は、楽器が楽器だけに、何かと物事の大きい小さいが気になるところと、よく言われています。これは、真面目な話、何かと物事の大きい小さいは気になりますか？

Well, as a viola player size obviously matters. The comment that I get most after concerts, when people come to see me backstage is, “Oh, I thought you were much taller actually.”

アントワン・タメスティ

まあ、ヴィオラ奏者としては、何かと物事の大きい小さいは気になります。例えば演奏会が終って、楽屋に面会に来て下さる方達が多く仰るのが「あら、もっと大きい人だと思ったわ。」

Yeah, but the stage makes everything bigger, I mean.

パーヴォ・ヤルヴィ

なるほど、とかく舞台というものは、何かと大きく見せるものですな。

Exactly!

アントワン・タメスティ

仰る通りでございます。

************

The first thing I noticed is that you lost a lot of weight, and you're in really good shape. Do you go to the gym? Or how do you keep in ...?

パーヴォ・ヤルヴィ

今回お会いして、まず思ったのは、随分と体をいい形で絞ってこられたなあと、ジムに通われたりしていますか？それともご自身で…

I don't go to the gym. My new thing is pilates. And I'm a lover of food, but I had to find, and I think probably everybody should find the right balance for them.

アントワン・タメスティ

ジムには通っていません。最近始めたのはピラティスです。それから私は、モノを食べるのが大好きなのですが、自分で調べようと思って、恐らく皆さんそれぞれ、食事の適正なバランスを把握されているかと思います。

And I'm searching for that at the moment. So I've reduced the amount of meat and fish and proteins and I eat much more vegetables, much more fruits and I feel healthier. I feel more energized actually.

私もその辺り、現在探っています。なので、今のところは肉、魚、プロテインの摂取量を減らして、野菜や果物を沢山食べるようにしています。おかげで体調はかなり良い感じだと思っています。実際体に力がみなぎるのを感じています。

And the other thing I had to find is, we are often in social situations as a musician, and alcohol, wine. I particularly like wine, comes ... can come often, and sometimes you don't necessarily want or need alcohol on a daily basis.

他にも考えなければいけないことがあって、音楽家ともなると付き合いがありますし、アルコールやワイン、実は私ワインに目がないんですよ…しょっちゅう飲みに行くことも起こりかねません。時には毎日なんて、必ずしも飲みたくなったり、飲む必要などないですからね。

Do you limit wine before the concerts? Like 30 minutes before the concert?

パーヴォ・ヤルヴィ

本番前はワインを控えたりしますか？本番30分前以降は飲まないようにするとか？

(laugh) No, but for example, if I'm on tour and there are concerts every day, I'm going to have an eye out for how much alcohol every day.

アントワン・タメスティ

（笑）飲んだりしませんって！まあ例えばですね、ツアーで毎日本番がある時は、日々のアルコールの量については、キチンと気を配るようにしています。

I know soloist, famous soloists, who I know exactly that I didn't drink here, here they don't go out, here they have a one day off after that. That night they will have a glass of wine. It is so well balanced because they know the effect of what it takes, yeah.

パーヴォ・ヤルヴィ

私の知り合いの、ある有名なソリストの方のお話ですが、ここでは私は飲まなかったのですけれど、その方は予定を把握されて、この公演場所では外出はない、ここでは１日オフがある、だからその晩は一杯飲むとか決めておられます。飲んだらどうなるか、とてもよく把握されているので、体調のバランスもしっかり取れていましたよ。

***********

Do you teach?

パーヴォ・ヤルヴィ

レッスンをなさったりするのですか？

Yes.

アントワン・タメスティ

します。

Because there are some people who just say “I don't teach because it's not my thing.”

パーヴォ・ヤルヴィ

人によっては「私には向かないから、教えたりはしない」という方達もいます。

I love teaching. I love seeing in young people such an inspiration that gives me energy, that gives me ideas and also...

アントワン・タメスティ

私は教えるのが大好きです。若い人達からはエネルギーだとか、自分の演奏に際してのアイデアだとか、そんなものを私に与えれくれるものが見えてきて、すごく良いと思っています。

Do you scream at your students?

パーヴォ・ヤルヴィ

生徒にヒステリーを起こしたりしますか？

No. Except when I teach the scream.

アントワン・タメスティ

ないですね。ヴィオラに「スクリーム」という、ヒステリーみたいな音を出す特殊技法がありますが、それを教える時だけですね。

“How many times do I have to tell you!?”

パーヴォ・ヤルヴィ

「何べん言わないと、いけないんだあ！」みたいな。

No. But what I love to see is that mostly we often have the same problems. Either they have problems that I had or that I have at the moment or that I will have. And so ...

アントワン・タメスティ

ないですね。でも私が一番いいなと思うのは、自分が抱えている問題と、生徒達の問題と、同じようなものを抱えているのが分かった時です。生徒の問題が、自分が過去に、あるいは現在抱えている問題、場合によっては「自分もいずれこうなるかも」というものだったりします。

They highlight your own issues.

パーヴォ・ヤルヴィ

教えているこちらの問題を映し出してくれているような。

Yes.

アントワン・タメスティ

そうです。

But you know this is what I always, also noticed that when I teach, and I love teaching and I have, you know, master classes, but also in the summer I have an academy in Estonia in Pärnu.

パーヴォ・ヤルヴィ

ただ、私も教える立場に立つ度にですね、私だって教えるのが大好きで、毎年夏になると、エストニアのパルヌで、指揮者のマスタークラスをするのが楽しみなのですが、そういう機会にいつも気づくことがあります。

And I always find that it kind of ... it's a cleansing kind of experience. Because when you tell somebody that “OK. Keep an eye on this and this is a bad habit or this is something you shouldn't be doing”, and you think “Wait a minute. Am I doing this? Am I doing the same thing?”

いつも思うのは、自分が教える立場になると言うのは、ある意味…浄化作用を経験すると言いますか、自分が他の人に「それじゃあ、これに注意して、これは習慣になってしまったら良くない、これはやるべきではない」なんて言っていると、そのうち自分で「あれ？もしかして、これって自分のことか？自分もやらかしていないか？」

So ... And then you conduct a rehearsal or a concert, and you have all the whole row of conductors sitting there, and I'm thinking like, “That ... That was what ...do what I preach,” you know. because it kind of makes you seriously clean up your own act.

それでもって…自分がリハーサルでも本番でも、指揮台に立つと、観客席にズラリと受講生達が並んでいるわけですよ。そうなると自分としては「これは、何て言うか…まあ、君達は、私が言った通りにやるんだぞ！」結局、自分自身の行いを真剣に浄化していくと言うことになりますからね。

So much non-verbal communication in music and then in teaching you have to put words.

アントワン・タメスティ

音楽活動をしていると、言葉を介さずに相手と意思の疎通をすることになります。これが教える立場になると、言葉を使うわけです。

You have to articulate them.

パーヴォ・ヤルヴィ

相手に伝わるように、考えて発言しないといけません。

And say, “OK, we do it like this.” But already this is reductive. But at the same time it's so interesting to find the right words.

アントワン・タメスティ

「だったら、こんな風に弾いてごらん」と言ってしまったら、そういう伝え方自体、既に物事を省略した言い方になっています。でも同時に、そこで適切な言い方は何かなと、言葉選びをするのも楽しいものです。

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Now I want to ask you something very serious for a second. Viola jokes. Have you ever been offended when somebody had a viola joke? We know there is a whole genre.

パーヴォ・ヤルヴィ

さて、ここでちょっと真面目な話になるのですが、ヴィオラジョークのことです。誰かにヴィオラジョークを言われて、やっつけられたこととか、ありますか？ヴィオラジョークといったら、あらゆるジャンルがありますよね。

I could not love it more, and I love it more and more, and I try to remember all of them.

アントワン・タメスティ

ヴィオラジョークほど面白いものは、この世に無いでしょう。片っ端から憶えるほどに、ますます好きになっていきますよ。

Give me a one short viola joke.

パーヴォ・ヤルヴィ

ちょっとしたところを、お聞かせください。

Well, a string quartet that ends up on an island without anything, and they find a magic lamp, and so they clean the lamp and Genie comes out and he grants one wish to each of them.

アントワン・タメスティ

あるところに弦楽四重奏団がありました。彼らは無人島にたどり着いてしまいました。島に魔法のランプが１つありました。それをきれいに掃除すると、中からジーニーがあらわれて、一人一人願いを叶えましょうと言ったのです。

And the first violin says, he actually doesn't want to play string quartet. He wants to become a soloist.

ファーストバイオリンの弾き手が言いました「僕は弦楽四重奏なんかやりたくない。ソリストになりたい。」

And Genie says, “No problem”, and he disappears and becomes a world-famous soloist.

ジーニーは「お安い御用で」すると彼の姿が消えて、世界でも有名なソリストになりました。

Second violinist says he never wanted to be second violin, he wanted to be first violin.

セカンドバイオリンの弾き手が言いました「僕はセカンドバイオリン奏者なんかやりたくない。ファーストバイオリン奏者になりたい。」

Genie clicks his fingers, he disappears, becomes first violin of the best string quartet in the world.

ジーニーは指をパチンと鳴らすと、彼の姿が消えて、世界ナンバーワンの弦楽四重奏団のファーストバイオリン奏者になりました。

Cellist says he never wanted to play even the cello, he wanted to be a conductor.

チェロの弾き手が言いました「僕はチェロなんか弾きたくない。僕は本当は指揮者になりたかったんだ。」

Genie clicks his finger and the cellist disappears and becomes the world's most famous best conductor.

ジーニーは指をパチンと鳴らすと、彼の姿が消えて、世界で最も人気のある、最高の指揮者になりました。

And the viola player stays alone on the island and Genie says, “What would you like?”

ヴィオラの弾き手だけが、ポツンと島に残ってしまいました。ジーニーは「お望みをどうぞ」。

And the viola player doesn't know, and he says, “I don't know what I want. I guess I just feel lonely, so I would like my friends to come back.”

ヴィオラの弾き手は、どうしていいか分からず言いました「望みは何かと言われても分からないけれど、これから独りぼっちでは寂しくなるから、皆に戻ってきて欲しい。」

And Genie says, “OK!”

ジーニーは「お安い御用で！」

And they're all back.

パーヴォ・ヤルヴィ

それで全員島に戻ってしまったと。

See, this is the personality of the viola player. In a way so sad and lonely, but needs the others. I have some worse viola jokes.

アントワン・タメスティ

これって、ヴィオラ奏者の性格をよく物語っています。ある意味、しょんぼり孤独で、でも自分以外の人がいてくれないと困るというですね。因みにもっと品の悪いヴィオラジョークを、お話ししましょうか。

This was specifically a clean one. I have actually noticed that viola players are the ones who are the best viola joke tellers and the ones who even create these websites and all kind of portals were specific, but they're all done by viola players.

パーヴォ・ヤルヴィ

今のは、特にすがすがしいお話しです。私も実際気付いたのですが、ヴィオラジョークを語らせたら、ヴィオラ奏者の方達には敵いません。それにウェブサイトにしても、ポータルサイトにしても、格別です。他にもやる方達が色々といますが、とびきりなのは、やはりヴィオラ奏者の方達です。

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Thank you, Antoine, for joining us on this “Tram for Two”. Please join us and subscribe to our Tonhalle-Orchester Zürich YouTube channel.

パーヴォ・ヤルヴィ

アントワンさん、今日は「Tram for Two」にお越しいただきありがとうございました。動画をご覧の皆様、是非私達のトーンハレ管弦楽団YouTubeチャンネルへのご登録、よろしくお願いいたします。

https://www.youtube.com/watch?v=h16Mhfh06nw

Tonhalle-Orchester Zürich

Paavo Järvi: Music Director

Antoine Tamestit: Viola

Hector Berlioz: «Harold en Italie» op. 16, Sinfonie mit Viola solo

I. Harold aux montagnes. Scènes de mélancolie, de bonheur et de joie: Adagio – Allegro 00:41

II. Marche de pélerins chantant la prière du soir: Allegretto 16:15

III. Sérénade d'un montagnard des Abruzzes à sa maîtresse: Allegro assai – Allegretto 25:02

IV. Orgie de Brigands. Souvenirs des scènes précédentes: Allegro frenetico 31:31

Aufzeichnung vom 29. Januar 2023, Musikverein Wien

2026-08-17

英日対訳：ブライアン・アイザックス (米・Viola) 2025 人もヴィオラも「不完全」／コンクールの意義

https://www.youtube.com/watch?v=FoCd3CgdDwE

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

2025/11/12

Interview Brian Isaacs | Finalist Concours de Genève - Viola 2025

My name is Brian Isaacs. I'm a violist from New York City. I've been living in Berlin, Germany now for the past two years. And I study in Kronberg Academy. Here I am in Geneva this week for the Concours de Genève.

ブライアン・アイザックスと申します。ニューヨーク出身で、ヴィオラ奏者をしています。ここ2年間はドイツのベルリンに拠点を置いて、クロンバーグ・アカデミーで学んでいます。この動画は、今週行われています、ジュネーブ国際音楽コンクールの会場、ジュネーブからお送りしています。

I started violin when I was very young about four years old. It was a birthday present from my parents to start violin lessons.

僕はまず、バイオリンから始めました。4歳の時です。両親からバイオリンを始めてみないかということで、誕生日プレゼントとしてもらったものです。

Eventually, my violin teacher suggested, "Why don't you try the viola actually?" So, some of the lessons I would see that she had the viola with her, but she always put it away, you know, maybe on top of the piano out of my reach, making me feel like, “Oh, maybe one day I can graduate to the viola.”

レッスンを受けていた時に、バイオリンの先生から提案されて「ヴィオラをやってみない？どうよ？」そういえば僕がレッスンに行くと、先生はヴィオラをお持ちになっていて、でもそれは、ピアノの上だったか、どこだったか、いつも僕の手の届かない所に置いてありました。僕はそれを見て「なるほど、僕もいつかバイオリンを卒業したら、次はヴィオラに進むんだろうな」と思ったものです。

And so, when I was thirteen, I tried the viola and really felt natural, more comfortable for me. So, I did both for a couple years and then realized, “OK, maybe I'll just stick to the viola.”

そして13歳になった時に、ヴィオラを弾いてみました。本当にしっくり来て、僕にはバイオリンよりも弾き心地が良いかなと、思いました。そこから数年間は、両方を弾いていて、やがて「これはもしかしたら、ヴィオラに専念しようかな」と思うようになりました。

Compared to violins or cellos, of course, there's many different dimensions that you can make violas. There's no standard size or sound really for a viola. As humans, we also are all unique. We have our own imperfections. And so, I can express that much more clearly while playing the viola.

ヴァイオリンやチェロと比べると、ヴィオラは様々な寸法のモノが作られています。寸法も、そしてサウンドについても実際の所、決まったものがありません。人間と同じで、それぞれがお互いに異なっている、唯一無二の存在です。人間は誰にでも、不完全な部分というものが、それぞれの人にあります。「不完全な」ヴィオラを弾いていると、その事の表現が、更にしっかりと出来ると言うものです。

The point of having a competition for me is to have a goal that lets me plan how I practice, how I approach learning repertoire. and having sort of checkpoints along the way.

僕にとってコンクールに出る狙いは、目標を立てて計画を作って、練習したり、演奏する曲の研究をしたりすること、その過程で、様々なチェックポイントのようなものを設定することです。

Even if I'm not invited for a competition, I think having these checkpoints. And these pieces of repertoire gives me a reason to continue practicing and to keep myself motivated.

仮に応募したコンクールで、実際に演奏するところまでいけなかったとしても、こういうチェックポイント方式の取り組みをしようと思っています。コンクールで演奏するような、今回のような色々な曲に取り組んでいると、練習を続けて、モチベーションを維持する良い機会になります。

Playing chamber music for me is the most effective way of of finding a great balance of creativity, originality, and having fun ultimately because I think that's the most important part of being a performer. And feeling good about oneself is enjoying the process, enjoying performing and expressing.

音楽活動と言えば、創造性、独自性、それにとにかく楽しむことですが、これらのバランスをとる上で、一番いいのが室内楽に取り組むことです。僕の考えですが、この3つこそが、演奏家としてやっていく上で、一番大切な部分だからです。取り組む過程を楽しんで、本番の舞台に立って表現をすることで、自分自身に対しても、気持ちが「アガる」ものです。

There's something about classical music to me that you can't express just through words. The reason I play and pursue classical music is to bring that feeling to other people and to help people also discover the emotions that classical music can bring out of them.

この点、言葉を尽くしても表現できないことでも、クラシック音楽でなら表現できることもある、その例だと思います。僕がクラシック音楽の演奏に取り組んで、道を究めていこうと言うのは、その思いを自分以外の人達に届けて、クラシック音楽を聴いて頂くことで、人間の様々な心の揺れ動きを、音楽から感じ取っていただくお手伝いをしたい、そう思っているからです。

https://www.youtube.com/watch?v=ZEgsduN4Sy0

Nov 14, 2025

79th CONCOURS DE GENÈVE - INTERNATIONAL MUSIC COMPETITION

VIOLA COMPETITION - FINAL ROUND

Wednesday 12 November 2025

7:00 PM, Victoria Hall

Brian Isaacs, 25 years old

Paul Hindemith : Viola Concerto « Der Schwanendreher »

With the Orchestre de la Suisse Romande

Conducted by Cornelius Meiste

2026-08-15

英日対訳：ユリア・フィッシャー (独・Vn, Pf) 2021 バイオリンもピアノも／完璧主義と演奏／名人達の教え

https://www.youtube.com/watch?v=Oj1ueFKck0c

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

May 2021 Episodes 2021

The Rare Phenomenon of a Dual-Instrument Virtuoso

Living the Creative Life

Julia Fischer

If you want to see perfection, then probably you should go to the circus or something. I think music is not about that.

ユリア・フィッシャー

完璧さをご覧になりたいのでしたら、サーカスにでも行かれたら宜しいかと思っています。音楽とはそういうものではないと言うのが、私の考えです。

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My name is Julia Fischer and this is Living the Classical Life.

私の名前はユリア・フィッシャーです。「Living the Classical Life」をご覧いただき有難うございます。

Zsolt Bognár

Thank you Julia, thank you so much for being here on Living the Classical Life. It is such a delight to welcome you onto the show.

ジョルト・ボグナール

ユリアさん、今日はLiving the Classical Lifeにお越しいただきありがとうございます。番組にお迎えできて、光栄です。

Thank you.

ユリア・フィッシャー

こちらこそ。

So this morning I had the pleasure of going to YouTube and I found... actually as a deliberate effort to find examples of you playing piano... I found your performance of the Grieg Piano Concerto. And I... It just struck me as someone who grew up playing only the piano that this is so specifically connected with the physicality of the instrument. The sound, the way we envision it is really connected to a whole world that I can't imagine in any other way.

ジョルト・ボグナール

実は今朝、ちょっとこちらで観てみたいと思ってYouTubeを調べていたことがあって、あなたがピアノを弾いている動画がないかなと思ったのです。そうしたら、グリーグのピアノ協奏曲を演奏なさっているのが見つかったのです。それで…衝撃的だったといいますか、幼い頃からずっとピアノを弾いて育ってきた方の身のこなしで、楽器を操っておられるようだったものですからね。サウンドも、「普通こういうものでしょう」とイメージするようなお姿そのものでしたし、実はそうでないとは、考えにくい程でした。

You were born to a musical family, and you were playing from an early age both instruments. But did you ever imagine that you would be performing both instruments at the level of stage?

音楽をなさるご家庭にお生まれになって、バイオリンもピアノも両方幼い頃から弾いておられて、でもどちらの楽器も、今のようなレベルで、将来は舞台に上がるんだとイメージされていたということですか？

Well, I was sure to become a musician, and I was sure to become a violinist, but I've never said that I would not become a pianist. So for me performing piano was always part of my life, and I always performed, in concert, piano. Not as much as on the violin, and maybe just once a year and shorter pieces. But it was clear for me that I also play the piano.

ユリア・フィッシャー

そうですね、演奏家には絶対なってやると思っていましたのと、バイオリンは絶対弾くぞと思っていました。でもピアノ奏者になるつもりはないとは、一言も言っていません。私にとってはピアノを弾くのも、これまで自分が過ごしてきた中の一部ですし、普段から本番で機会を取ってピアノを弾いています。バイオリン程の頻度ではありませんし、おそらく年に一度くらい、あなたがご覧になったような大きな曲とまではいかないような曲をね。でも自分はピアノを演奏する人間だとは、はっきり自覚しています。

And actually for a very long time it was my wish to once have this feeling of being a pianist in front of an orchestra, because I find this combination of piano with orchestra is probably the most dramatic one, and also because there's no piano in the orchestra.

実はですね、オーケストラの前にピアノを置いて、そこで独奏者として弾いて見たいと言うのは、ずっと前から思っていたことです。ピアノ独奏とオーケストラという組み合わせは、私としては最高にドラマチックなんじゃないかと、それに通常の編成では、ピアノはオーケストラには無いですからね。

You have always 20 violinists sitting behind you, you play the violin, you're part of the orchestra. But piano, when you play as a pianist in front of an orchestra there's a difference between the piano and the orchestra. It's more of a battle, maybe also, and so I always wanted to experience that. And I had been planning that for a very long time.

オーケストラと言えはバイオリン奏者が常時20人位いて、私が独奏者となる場合は、その方達が自分の後ろにいらっしゃる状態ですから、自分もその中に飲み込まれる形になります。でもピアノで独奏者となると、バイオリンと違って、オーケストラとは異なる関係を保てます。どちらかというと、せめぎ合いみたいなのかな、ですので、そういう経験をしてみたかったのです。実はこれ、ずっと前から計画していたのです。

And then finally this date January 1st 2008 was there and so for the entire year of 2007 I prepared for this concert, and it was very hard because I played 100 concerts on the violin in that year.

ようやくそれが叶ったのが2008年1月1日、これに向けて2007年の１年間まるまるかけて本番に向けての準備に当てましたよ。この年は他にも、バイオリンのコンサートだけでも100回ありましたから、まあ大変でした。

100?

ジョルト・ボグナール

100回ですか？

100, yeah, with lots of repertory and all over the world. And so whenever I played a violin concerto in the evening, then after the concert I would stay and practice piano in the hall so that I would have a decent piano to practice on.

ユリア・フィッシャー

100回ですね。曲目も沢山、世界中でやらせて頂きました。そんなでしたから、バイオリンでのコンサートが夕方にあると、本番が終ったあとで、ホールに残ってピアノの練習をするのです。おかげで相当しっかりピアノの練習は出来ました。

And so it was a very tough year, but I was grateful that I did it, because otherwise I probably would have asked myself my entire life, “What if?” And I didn't want to have that. I wanted to do it once. I wanted to know what it is like, and so now I've done it, and I'm not saying that I will never do it again,

あの年は大変でしたけれど、実現できましたのですごく嬉しかったです。もしあの年やらないでいたら、多分未だにずっと「もし実行していたらどうだったろう？」てウジウジなっていましたよ。そんなのは嫌でしたから。私は思い立ったらすぐにやる、やって見てどうなるかを知りたい、なので、こうしてやり切って、今では「もう二度とやるもんか」なんて、全然言わずに済んでいます。

But it was tough enough. So whenever I play piano now in concert... I actually play chamber music with friends, because it's easier than performing a piano concerto, but I still do that. And I enjoy it whenever I can play concerts, not a lot at the moment. But last year I played with Daniel Müller-Schott Schubert “Arpeggione” for example, and so that happens from time to time.

いやまあ、確かに大変でしたよ。ですから現在コンサートでピアノを弾くときはいつも…実際には友達と室内楽をやる時なんですけれど、こちらの方がピアノ協奏曲よりは何とかなりますので、こちらは今でもやっています。本番でピアノを弾けるのは、いつも楽しいですよ。今はあまり沢山はやれていませんが。でも去年は、例えばチェロ奏者のダニエル・ミュラー＝ショットとシューベルトの「アルペジョーネ」をやらせてもらっていますから、時間を見てはコンサートでピアノを弾くようにしています。

I think for our general viewers one of their first questions might be, “On a daily basis, to maintain both of these instruments on that level, is it really necessary to play both each day, every day across a year? Or can this really be in phases, and then you can bring back, for example, the piano?”

ジョルト・ボグナール

この動画をご覧の方達は真っ先に質問してくると思うのですが「ピアノとバイオリンと演奏レベルを維持し続けるには、１年通して毎日やらないと、本当にイケナイものなんでしょうか？それとも時期（フェーズ）を分けて片方に集中して、後で別の楽器を再開するとか、例えばそういうやり方でピアノに取り組むとか、やっても良いのでしょうか？」

Actually it's much easier to bring back the piano than the violin. So when I don't practice the violin for a week, it takes me a week to be back in shape. And when I don't practice a piano for a week, it takes me a day to be back in shape. I think it's impossible to maintain the high level on the violin if you don't practice every day, that's absolutely impossible.

ユリア・フィッシャー

調子を取り戻すのは、ピアノの方がバイオリンよりは楽です。もしバイオリンの練習が1週間空いてしまったら、調子を戻すのに1週間かかります。ピアノの練習が1週間空いてしまったら、調子を戻すのには1日かかります。バイオリンは毎日練習しないと、高いレベルを維持するのは不可能だと思っています。これは絶対無理だと思っています。

And of course on the piano you have to reach the level first, but then you can get back into shape pretty quickly, I have a feeling. But maybe it's also because my expectations on the violin are certainly higher than on the piano, so probably I'm also more strict with myself in terms of how well I know the instrument.

当たり前ですが、ピアノの場合、まずは演奏レベルをそこまで持って行かないといけませんので、そこから調子をすぐに戻すのは、結構いけると思っています。まあ、もしかしたら私がバイオリンに対して設定しているレベルとピアノの場合とで差があるからかもしれませんね。そう考えると、もっと楽器のことを理解する上でも、ピアノの演奏に関しても、自分に厳しくしないといけないかも知れません。

In the beginning, when I was ... until I was nine, I practiced probably both instruments equally. And when I was nine I started with Ana Chumachenco at the Music Academy. And then certainly violin became the first instrument.

そもそも私が…9歳までは、ピアノもバイオリンも同じくらいのペースで練習していました。9歳になった時に、ミュンヘン音楽大学でアナ・チェマチェンコ先生に教わるようになって、バイオリンの方を優先するようになりました。

And when I was 11 I took part in Menuhin Competition, and then I basically only practiced violin for a couple of weeks. And after I won Menuhin Competition, my mother said, “OK, now you've practiced enough the violin, now you play a piano concerto.” And actually that was the first time that I played piano with orchestra, that was six weeks after I won Menuhin Competition. On my 12th birthday I played “Introduction and Allegro Appassionato” by Robert Schumann.

その後、11歳になってユーディ・メニューイン国際コンクールに出させてもらって、その時はコンクール前の2.3週間は基本バイオリンしか練習しませんでした。終わって1位を頂いて、そうしたら母から「はい、それじゃあバイオリンの練習よく頑張ったわね。次はピアノ協奏曲の練習行ってみようか。」人生初のオーケストラを伴奏にしたピアノ協奏曲の本番ですよ、しかもそれが、ユーディ・メニューイン国際コンクールでやっと1位になった後にですよ。因みにその時は、ロベルト・シューマン作曲の序奏とアレグロ・アパッショナートト長調Op.92でしたけどね。

I love that piece.

ジョルト・ボグナール

僕の大好きな曲ですよ。

Yeah I love that piece too, but I had to learn it in six weeks after not having played the piano for a couple of weeks, so it was tough. But it was also great. So that was the first time that I actually performed piano with orchestra.

ユリア・フィッシャー

私だって大好きですけれど、2.3週間ピアノを全く弾いていなくて、そのブランクの後で6週間で仕上げるなんて、まあ大変でした。でも同時に、本当に素晴らしい経験でした。その時、人生初めてオーケストラとピアノの協奏曲をやらせて頂いたことになったのです。

And then after that I went back to violin very quickly. I had so many concerts on the violin that there was no possibility of playing less the violin. So I was already basically in a professional life on the violin.

それが終ったら、すぐにバイオリンの練習に戻りました。バイオリンでの本番が沢山控えていて、バイオリンの練習に時間が減ってしまうなんて、有り得ませんから。当時は既に、バイオリンの演奏でお金を頂いていましたのでね。

But then I always came back to piano. I never had a phase of weeks where I wouldn't really play the piano. I would always play for myself and also before concerts. Until today actually, when I have a piano in my dressing room, then I tend to play the piano before I go on stage even with the violin. Or after the concert.

でもそうやった後は、ピアノにまた戻るようにしたのです。ピアノを全く弾かないのが数週間続くと言うフェーズの決め方はしませんでした。自分で力を確認するために弾くにしても、コンサートの前の準備にしても、ピアノはいつも弾くようにしていました。今日までずっと、本番がある時は、楽屋にピアノを置いてもらって、バイオリンでの本番前にピアノを弾いたり、場合によっては本番が終った後に弾いたりします。

In your awareness, how common is it to meet musicians who really play both instruments, I mean specifically piano and violin? The most famous example perhaps is Mozart, but then there were also wonderful performers like Harold Bauer who, I think, eventually, when he was performing on piano, and that was an interesting story that once he allegedly... I can't remember who the other musician was, but he was performing the Kreutzer Sonata, and as an encore they repeated it with switching instruments.

ジョルト・ボグナール

ご自身のご認識としては、特にピアノとバイオリンの両方を弾きこなす演奏家というのは、どのくらい一般的だとお考えですか？一番有名なところでは、モーツアルト、まあ他にもハロルド・バウアーなんかが、優秀なところでいましたね。彼については伝え聞くところによりますと、ベートーヴェン作曲のヴァイオリンソナタ第9番イ長調op.47「クロイツェル・ソナタ」を、共演者とアンコールで楽器を取り換えて演奏したそうで、本番がピアノで、アンコールでバイオリンだったですね。共演者だったかは、忘れてしまいましたが。

Well, it's not common. Of course, not. But you encounter from time to time musicians who play more than one instrument. And sometimes you can also switch... I remember when I met the pianist Herbert Schuch, I was 15 and he must have been 18, and so we met on one of these events where all the gifted children in Germany played 10 minutes, and Zubin Mehta was there to listen to all of us.

ユリア・フィッシャー

まあ、普通じゃないですよね。それはそうです。でも複数の楽器を弾きこなす演奏家と言うのは、時々お目にかかります。時には先程の様に、役目を入れ替わるとか…今でも憶えていますが、ピアノ奏者のヘルベルト・シュフと初めて出会った時、私が15歳で彼が確か18歳だったかな、よく天才少年少女が集められるイベントみたいなのがあるじゃないですか、そんなイベントの一つに呼ばれたことがあったんです。その時はズービン・メータが私達全員の演奏を聴いてくれていました。

And so after that we had a big party, and after I played in the concert, I played “Carmen Fantasie,” I don't remember what Herbert played, but after that we went back to the hall and I would sit down at the piano. At that time I had this phase of learning the piano part of the violin sonatas, so I knew Brahms D minor sonata on the piano. And I would sit down and Herbert took my violin and played the Brahms sonata on the violin. So we played through this entire sonata, me on the piano and he played the violin. And that was really fantastic. It was great.

イベントの後でパーティーが結構盛大に開かれて、それでコンサートの後、その本番では私はサラサーテ作曲の「カルメン・ファンタジー」を弾いて、ヘルベルトが何を弾いたかは憶えていませんが、とにかくコンサートのあとで、二人して会場に戻ってですね、私はピアノの席について、その時は先程話していたピアノの譜面を練習する期間だったので、丁度その頃さらっていたブラームス作曲のバイオリンソナタニ短調を、ピアノで弾いたのです。そうしたらヘルベルトが私のバイオリンを手に取って、それで二人して一曲全部通して弾き切ったんですよ。あれはいい思い出ですね。

Exceptionally difficult score, I'm working on it right now, and just the piano part alone!

ジョルト・ボグナール

あの曲は今私も練習していますが、ピアノのパートだけでも、とんでもなく難しいですよね。

And I think also for the teaching part that's of big help, because I can... when I play Beethoven sonata with a violinist and I'm the pianist, then I feel completely different things than if I only look at the violin part. I can... I can tell them, “OK, this is where you rush, this is where you slow down.” You know, in terms of chamber music making I think that it helps me tremendously in teaching that I know both parts.

ユリア・フィッシャー

それと、自分が教える立場になると、これがすごく役に立つのです。それは…ベートーヴェンのバイオリンソナタを、私がピアノ伴奏を弾くときは、バイオリンのパートだけを認識しているのとは、全然違いますから、バイオリン奏者に対して「そうね、ここは走り気味になるから、ここは遅れ気味になるから」と言ってあげられます。室内楽曲の練習を見てあげる時などは、自分がピアノのパートとそれ以外のパートと分かっていますから、すごく役に立ちます。

For you as a performer, I'm really curious to know... What is your relationship to the concept of perfection? Because when I'm listening to your recordings and your performances, one thing that strikes me, and also in conversation with my musical colleagues, they use the word perfection of your craft. But is that really something that we can strive for on stage? I mean that is a really specific expectation. But I think for the performer... maybe you come at it from a different angle?

ジョルト・ボグナール

演奏家として、是非伺ってみたいことがあって…完璧主義ということについては、どのように捉えていますか？あなたの音源を聴かせて頂いたり、あなたの舞台を拝見させて頂いたりすると、それと、私の友達の演奏家達と話をしていると、思うことがあって、それは友人達が、あなたの演奏については「完璧主義」という言葉を使うのです。でもこれって実際、舞台に上がったら、食らいついてでも求めるべきものなのでしょうか？要するにですね、人の演奏を想像する上では、かなり特異なものの言い方じゃないですか。と言って演奏家としては…もしかしたら、あなたはもっと別の視点からこれをお考えなのかなと思いまして。

I'm probably not aiming for the word perfection. But I have to admit that when I practice then I want perfection. Yes, I do work on my technique in a way that I don't have to worry about intonation or technical things when I go on stage. And I'm not happy if something doesn't work, yeah.

ユリア・フィッシャー

自分としては「完璧主義」という言葉を掲げて、それに向かって演奏活動をしてはいないと思っています。でも練習中は完璧に仕上げたいと思っていることは、認めざるを得ません。そりゃ、舞台に上がったら音の出し方や技術的な諸々の事を、心配せずやれるくらいの技術的な完成度にしようと、確かにしています。うまく行かなかったら、嫌ですしね。

Still, once I'm in the concert, I'm not paying attention to perfection. Then I only pay attention actually to the music making, to my colleagues on stage, to the way of communication on stage.

でも一旦コンサートが始まったら、完璧にやってやるとかなんとかは、全然考えません。音楽づくり、舞台上の相方とのやり取りにだけ、実際は集中するのみです。

The perfection of the accuracy is a baseline. But is there something else that can account for perfection, what you wish to be the totality of your performance? I'm just trying to get to the bottom of the definition of perfection, what you hope for.

ジョルト・ボグナール

正確さを完璧にすると言うのは、当たり前のことですが、ご自分の演奏全体を考えた時に、完璧主義云々に関しては、もっと他に要素があると言う事でしょうか？私としては、この際完璧主義というものの根底にあるものを定義しようとも思っているのですが、この辺り、ご自身としては、こうであってほしいと言うのは、ありますか？

I think that perfection is only for myself. It's really not for the audience. The audience in the end doesn't care if every note was in tune or not, that's so not important. And they don't even pay attention to that, I think.

ユリア・フィッシャー

完璧主義というのは自分にだけ向けるものだと思っています。お客様に届ける内容について完璧主義だとかは、関係ありません。結局お客様と言うのは、一発も音を間違えず、テンポも完璧に合わせてとか、そんなことを重要視しているわけではありません。そんなことに気を取られて演奏をお聞きになっているわけではありません。

For the audience the only thing that matters is if I touch them or not. So I think the expectation from the audience is on an emotional level, not on a technical level. If you want to see perfection then probably you should go to the circus or something. I think music is not about that. Perfection is for my own goal, for myself.

お客様が気になさるのは、私の演奏で感動していただけるかどうかです。ですから私としては、お客様からのご期待とは、心の面であって、小手先の技術のことではないと思っています。完璧さをご覧になりたいのでしたら、サーカスにでも行かれたら宜しいかと思っています。音楽とはそういうものではないと言うのが、私の考えです。完璧主義とは、自分に向けるもの、他の人が絡まないことだけに関するものです。

And of course there are these funny moments, like in the Sibelius Violin Concerto, for example, there's this high F sharp which you have to hit four times in the third movement. And so of course every violinist knows that, and the probability of hitting all four of them in the concert is probably something like 70 per cent, it's not much higher than that.

勿論、笑っちゃうような経験も、これまであります。例えばシベリウスのバイオリン協奏曲には、物凄く高いファ＃の音があって、これが第3楽章で4回出てくのですが、全部外さずに当て切らないといけません。これは世界中のバイオリン奏者が知っていることです。1回の本番で、全部外さず当て切る確率は、7割とかそのくらいで、それ以上は高い確率ではできないものです。

And I remember that I played it in St Petersburg once with the Petersburg Philharmonic and (Yuri) Temirkanov. After the concert the concert master came to me and said, “Congratulations, you hit it four times!” So he was really happy that I managed to get the F sharp four times. And of course it's a funny moment, and a great moment, and he realized and I realized and I was happy.

今でも憶えていますけれど、サンクトペテルブルク・フィルハーモニー管弦楽団と、本拠地でやらせていただいた時のことですが、指揮者はユーリ・テミルカーノフでした。本番が終ったあとで、コンサートマスターの方が私の所へ来て下さって「やりましたね、全部4回とも当て切ったじゃないですか！」私が高いファ＃を何とか4回当てようと頑張って、うまく行ったことを、すごく喜んでくださったのです。笑っちゃうような一幕ですけれど、でも本当に素敵な一幕でした。コンサートマスターの方も気づいてくれて、私も憶えていて、すごく嬉しかったです。

But I think that in the audience really nobody cares about it. It's not important. The only thing that matters to the audience is, “Did I touch them or not? Did they have an emotional experience, maybe even an intellectual experience, a philosophical experience?” But not if I played every note in tune.

でも、お客様は誰も気にしておられなかったと思いますよ。こんなことはどうでもいいことですから。お客様にとって大切なのは「私がちゃんと感動させられるような演奏ができたか？たとえ頭で考えるようなことでも、思想思考的なことでも、心を揺さぶるような経験をして頂けたか？」私が全部の音を正確に弾き切ったかどうかなんて、関係ありません。

I'm looking at your list of accomplishments and I happen to know that we are approximately the same age, so I'd like to label that as extremely young, let's say!

ジョルト・ボグナール

あなたのこれまでの実績を拝見して、それとたまたま、あなたと私とでは、ほぼほぼ同い年なんですよ。ということで「あなたの様に凄くお若い方が」と言わせて頂きますからね！

(laugh)

ユリア・フィッシャー

（笑）

But for my colleagues also, regarding that list of accomplishments, your recordings, your tours, the orchestras, conductors, the competitions, the awards... it seems like the assumption could be that that's just an endless string of successes.

ジョルト・ボグナール

でも私の友人の音楽家達も、あなたのこれまでの実績とか、リリースなさった音源とか、こなしたツアーとか、共演したオーケストラや指揮者、それにコンクールの実績や受賞歴を拝見しますと…こういうのを正に「次々と成功を収め続けている」というのかなと思っているのですが。

I think I was very lucky whom I met, and when. So of course starting with Ana Chumachenco as my teacher, who by the way, is exactly the same kind of person. She also never cared about if she is that famous or that famous. I mean there's this famous story of her when she won a competition when she was 18 and she was supposed to play many concerts in England after that competition. And she never arrived at the concerts because she didn't like the weather in England. So she just went to Italy to go on holiday instead of playing the concerts, with her newlywed husband.

ユリア・フィッシャー

私は人との出会いに物凄く恵まれたと思っています。勿論、アナ・チェマチェンコ先生から始まって、これが私と全く性格が同じなんですね。知名度があがろうが何しようが、知ったこっちゃないみたいな。これは有名な逸話ですが、先生が18歳の時に、あるコンクールで優勝なさって、優勝すれば、そのあとイギリス国内で演奏会の予定が組まれていたんですよ。ところが先生は、全部ご出演なさらなかった、その理由が、イギリスは気候が良くないから嫌だというのです。結局コンサートは全部お出にならずに、当時ご結婚なさったばかりのご主人様と、イタリアへ行ってしまったのです。

So I was lucky when I met her. And when I had lessons with her that she only paid attention to what kind of musicians her students would become.

そんな先生に出会えたことは、私にとって幸運でした。それと先生がレッスンして下さるときは、ご自分の教え子が、どのような演奏家になっていくのか、その事だけに集中しておられました。

Then, when I was 13, I met Lorin Maazel by accident. I was invited to a discussion in the Bavarian Radio about gifted children, and I was the example for a gifted child together with Daniel Müller-Schott, actually, whom I met on that night.

そして13歳の時に、これは偶然でしたけれと、ロリン・マゼールに出会ったことです。バイエルン放送で天才チビッ子に関するフォーラムが開かれて、私はその「天才チビッ子」の例として、ダニエル・ミュラー＝ショットと一緒に出演したのです。

And Lorin Maazel was invited as a former gifted child. And so there was this discussion and somehow he liked how naughty I was. Because after that he said, “I want to listen to you and want to know how you play.” And that's how he invited me to audition for him. And so I auditioned, and then he worked with me and we played together many concerts for many years.

その時ロリン・マゼールが「かつて天才チビッ子と謳われた」として番組に招かれていて、そこで意見交換に参加して、どうやら私のことを、やんちゃに見えたようで、それがお気に召したらしく、番組が終わった後で「君の演奏を聴いて、どんな風に弾くのか、見せてくないか」それが、彼が私の腕を確かめるために呼んでくださったキッカケでした。彼に演奏を聴いて頂いた後、ご一緒するようになり、その後長い間、本当に沢山コンサートで共演させて頂きました。

And I know that Lorin Maazel phoned Marek Janowski saying, “I have this young child who plays the violin. Would you like to listen to her?” So I went and played for Marek Janowski.

そうしたらロリン・マゼールから今度はマレク・ヤノフスキに電話をしてくれて「今、バイオリンを結構弾くお子ちゃまと一緒にやっているのだがね、どうだい、君、彼女の演奏を聴いて見たくないか？」それでマレク・ヤノフスキの所へ行って、聴いてもらったのです。

And Marek Janowski was also very important in my bringing up, because he always took care that I would learn new repertory. So he would make me learn Alban Berg Violin Concerto when I was 16, and I really didn't want to. But I had to, he just made me learn it. And so I played a lot of concerts with Marek Janowski but each time a new violin concerto, so I was forced to learn a very big repertory.

マレク・ヤノフスキも私の修業時代の、とても大切な存在の方です。というのも、常に私がどんどん新しくレパートリーを身に着けていくよう、気を遣ってくださったのです。そんな中で私に取り組ませたのが、アルバン・ベルク作曲のバイオリン協奏曲、私が16歳の時です。私は本当に嫌でした。でも仕方がない、とにかくやれとおっしゃるのですから。そんな感じで、マレク・ヤノフスキとは沢山コンサートをご一緒させて頂きました。それも毎回、今までやったことのない協奏曲ですよ。何が何でもレパートリーが膨大に、そりゃなりますわ。

And then I met Christoph Eschenbach, who actually, by the way, was late for the audition for over an hour. So I... it was in Die Laeiszhalle in Hamburg, in the small hall, and there was a grand piano, so when he came in I was actually sitting at the piano playing Liszt's “Un Sospiro”.

次にお会いする機会が出来たのが、クリストフ・エッシェンバッハです。この方に見て頂くとき、約束の時間よりも1時間以上遅れていらっしゃったのです。その時は…ハンブルクにあるライスハレの小ホール（クライナーザール）でした。丁度そこにグランドピアノがあって、弾いていたのです。曲はフランツ・リストの3つの演奏会用練習曲より第3曲「溜息」だったかな、そこへクリストフ・エッシェンバッハが来たのです。

And I didn't realize that he came in and I played the étude and he listened to the entire étude. And then he ...when I stopped, he applauded and he said... somebody must have told him wrong because he thought he would listen to a violinist. And I said, “Actually, yes, you are going to!” So I went back and took my violin and played (Antonín) Dvořák Concerto to him. And then he played a lot of concerts with with me.

私は全然気づかなくて、全部弾き終わるまで聴いていらしたようで、弾き終わったら拍手が聞こえるじゃないですか。それで…「おい、誰か間違っていないか、私はバイオリンを弾く子の音を聴きに来たんだけれどなあ。」私から「いや、間違いありません、只今弾きますから、大丈夫です。」私はその場を引いて、バイオリンを用意して、アントニン・ドヴォルザークのバイオリン協奏曲イ短調Op.53を聴いていただいたのです。そこから、何度も演奏会でご一緒させていただくようになりました。

And Christoph Eschenbach was very important in my teenage times, because he didn't just play with me as a conductor, but he invited me to Ravinia Festival to play recitals with him. And he played piano and I played violin. And this chamber music with such a great pianist and such a great musician really influenced me a lot.

私が10代を過ごした中で、クリストフ・エッシェンバッハは特に大切な方です。単に指揮者としてご一緒させて頂いただけでなく、アメリカのイリノイ州で夏に行われるラヴィニア音楽祭に招待してくださって、リサイタルを、私がバイオリンでクリストフ・エッシェンバッハがピアノを弾いてくださったのです。こういう室内楽を、こんな素晴らしいピアノ奏者とやらせていただいて、しかも音楽家としても本当に、大きな影響を受けさせてもらいました。

And unfortunately he also set the level of what I expected from a pianist very high, so I think after that I became a pain for the pianists I worked with, because I was used to play with Christoph Eschenbach, and actually, from my management with Jack Mastroianni, my general manager since I was 13, worked also for Jean-Yves Thibaudet, so I played with Jean-Yves Thibaudet my first recitals when I was 15.

自分のピアノ伴奏に、こんな物凄く高いレベル、願ってもないとはいえ逆に運の悪いことに、その後の伴奏者の方達には、私は嫌な存在になったと思います。子供の頃から慣れ親しんだのが、あのクリストフ・エッシェンバッハですから。それに実はですね、13歳から私のマネージャーをして下さっているジャック・マストロヤンニさんが、一緒にマネジメントをしていたのが、ピアノの名人ジャン＝イヴ・ティボーデで、私は15歳の頃にリサイタルをやるようになりましたが、その伴奏をお願いしていましたから。

And of course if that's the level you start on at that age in recitals, then you can't work with other pianists anymore. So it became really hard for me to actually find pianists I could work with, because that was the level I was used to since that young age. So that was not always helpful in terms of whom I could work with.

その年齢から、あのレベルでリサイタルをやらせていただいてしまったら、他のピアノ奏者の方達とは、なかなか出来なくなってしまいます。その後は伴奏の方を探すのが大変でした。自分が幼い頃から慣れ親しんだレベルの方なんて、中々いません。そういった意味では、時として「逆に運の悪いことに」なってしまっていたのです。

But I learned so much from Jean-Yves Thibaudet. I remember that we played Grieg C minor Sonata, and I had the feeling on stage in Concertgebouw that I would fly because he has this ability to just take your hand and go through the piece with you. It's just amazing.

それにしてもジャン＝イヴ・ティボーデからは本当に沢山勉強させて頂きました。今でも憶えていますが、グリーグのバイオリンソナタハ短調を、アムステルダムのコンセルトヘボウで演奏した時ですが、曲が進む中、手をつないで空を舞っている、そんな気分で、本当にすごい思いをしました。

And I learned so much through these musicians at this young age, and I didn't care if Christoph Eschenbach invited me to Ravinia or if it was London or Paris or whatever, I didn't care. I was just so grateful that I could play with him, and I would have gone anywhere to play with him. I think that was for me always the most important thing, who I play with, not where I play.

今お話ししたような、素晴らしい演奏家の方達から、幼い頃沢山勉強させていただいているのです。クリストフ・エッシェンバッハが私を呼んでくださるなら、ラヴィニア音楽祭だろうと、ロンドンだろうとパリだろうと、どこへだって構わず私は行きます。クリストフ・エッシェンバッハと一緒に演奏できることがうれしいのです。私にとって一番大事なのは、誰と演奏させていただくかであって、場所なんてどこでも関係ありません。

Have there ever been moments of surprise, where you've performed and you said, “This really reminded me of why I do this! The joy of being on stage, that somehow what happened was one plus one equals three! That there was a magic that took on a life of its own!” ?

ジョルト・ボクナール

今までの演奏のご経験で「私が演奏家になったのは、この本番のためだったんだ、舞台に立つ喜びを感じたんだ、１＋１が３になるような経験をしたんだ、魔法の様な瞬間を迎えたんだ」なんて、思わずそうお感じになったことはありますか？

There ARE concerts that will stay with me, of course, which I've played and where I thought, “OK, this was really a spectacular moment and I'm grateful to have experienced it.”

ユリア・フィシャー

確かにあります。そういうコンサートは、これからも私の心の中に勿論生き続けるでしょう。自分で演奏して「やった、これは本当に凄かった、こんなのを経験出来て嬉しいな」と思ったことは、あります。

But that happens mainly because of the communication between me and the other musicians on stage. So sometimes that happens that...There has been Brahms Double Concerto with Daniel Müller-Schott, which I will remember forever, of course. And also Violin Concerti, I mean, Brahms concerto conducted by Yakov Kreizberg, which I will never forget.

でも主にそれは、本番舞台上での他の演奏家の方達とのやりとりがもたらしてくれたからです。ですから時には…ブラームスのバイオリンとチェロのための二重協奏曲を、ダニエル・ミュラー＝ショットと一緒にやらせていただいた時がありましたが、あれは一生忘れません。それとバイオリン協奏曲、これはブラームスのですが、ヤコフ・クライツベルクの指揮で弾かせて頂いた時も、一生忘れません。

So yeah, there are some concerts... Yuri Temirkanov is always... I don't know how he actually does it, but actually any concert Yuri conducted is memorable. I don't recall that I've ever had a moment on stage with Yuri that was not out of this world. It's whenever he enters the stage, he takes everybody in this completely different world and away from here. And you're with him in the stars.

ですから、そうですね、他にも色々…ユーリ・テミルカーノフとはいつも…あれは何でだろう、とにかくユーリが指揮してくださる時は、いつも思い出に残るのです。「これは別世界だわ」て、思わなかったことなんて、憶えていないくらいですから、ありません。ユーリが舞台に登場しただけで、全員舞台上から別世界へとご招待ですよ。そこから先は、星がきらめく宇宙空間を、ユーリと一緒に過ごすのです。

And even on tour, I mean, I've three or four times been on big tours with him where I played eight, nine concerts in a row, and each concert would be like that. So he really is one of these persons who enters the room and everything changes.

今までユーリとは、長丁場のツアーを3回とか4回とかご一緒しましたが、本番が8回とか9回とか連続しても、毎回必ずこんな感じです。この人が部屋に入ってきた瞬間に、全てが変わる、と言う音楽家がいますが、ユーリこそ、その一人です。

And finally, Julia I'm curious; What's inspiring you these days in life or in music? When you wake up in the morning, what is the the driving force for you?

ジョルト・ボクナール

最後に是非伺いたいことがありまして、最近、普段の生活でも、音楽活動でも、インスピレーションの素を教えてください。朝に目が覚めて、今日も一日頑張ろうと、その気にさせてくれるものを教えてください。

Definitely my children, I have to say, yeah. I have to say now it's really my family and all the children around me, since I also have the children orchestra. I'm inspired by any child I see with an instrument and make music.

ユリア・フィシャー

我が子達です。間違いありません。家族、それから私の身の回りの子供達です。子供達を集めてオーケストラの指導をしているのですが、子供達が楽器を持って音楽をしている姿からは、本当にインスピレーションをもらっています。

That's the most beautiful answer that I can think of, speaking of what we pass on to the next generation.

ジョルト・ボクナール

最高に素晴らしいお答えを頂きました。是非次の世代に伝えるべきものだと思います。

Julia, it's been such a pleasure to have you here on the show. It's been wonderful to speak about music, the expectations that we have, and the joy, indeed. And I wish you continue to success in moving forward. And I hope to hear you in Cleveland again soon!

ユリアさん、今日は番組にお越し下さり、誠にありがとうございました。音楽について、私達が期待する色々なこと、そして音楽の喜びについて、素晴らしいお話が聴けました。これからも益々ご健勝とご活躍の程、そして是非また、近いうちにクリーヴランドでお会いしたいと思います。

It was a pleasure, thank you.

ユリア・フィシャー

こちらこそ、ありがとうございました。

Thank you.

ジョルト・ボクナール

ありがとうございました。

All

https://www.youtube.com/watch?v=hXiomntByUA

GRIEG, Piano Concerto in A minor (op.16) - Julia Fischer

Matthias Pintscher (conductor)

German Youth Philharmonic

https://www.youtube.com/watch?v=Hj4qCTETAlg&t=50s

JOHANNES BRAHMS

Double Concerto for Violin, Violoncello and Orchestra in A minor op.102

I. Allegro

II. Andante

III. Vivace non troppo

Julia Fischer, violin

Daniel Müller-Schott, violoncello

Alan Gilbert, conductor

NDR Elbphilharmonie Orchestra

Recording from October 30, 2020, Elbphilharmonie Hamburg

2026-08-14

英日対訳：イ・ジユン (ベルリン国立歌劇場管・コンサートマスター) 2019 逆転の発想／言葉は理解を齎す

https://www.youtube.com/watch?v=1X7ysoQn6Ec

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

2019/6/11

First concertmaster Jiyoon Lee & influencer Elisa Schenke

Staatsoper Berlin

Elisa Schenke

So... I hope you trust me.

エリーザ・シェンンケ

それじゃあ、安心して乗ってください。

Jiyoon Lee

(laugh)

イ・ジユン

（笑）

It is always really impressive that you're... you came here, and you were part of the Berlin Staatskapelle. And that you're the ... I think youngest female concert master in Europe. I think that's your title. Right?

エリーザ・シェンンケ

いつお会いしても本当に印象的と言うか…こちらにいらして、シュターツカペレ・ベルリンに入団して、それとあなたは…ヨーロッパの主なオーケストラの中では、最年少の女性コンサートマスター、そういうことになっていましたよね？

Well, I'll be very careful with this title, but as far as I know, probably I'm the youngest ones.

イ・ジユン

うーん、そういうことになってるかどうかは、相当慎重になりますけど、でも今のところ、多分ですけど、その通りかなと思っています。

I've read it somewhere.

エリーザ・シェンンケ

確かどこかに、そう書いてあるのを読んだ気がします。

Yes. Yeah, but I mean I also didn't expect my life to be completely different until the day I took the audition into it because I just really didn't see in front of my eyes that I would be able to even manage playing with such great orchestra with such great musicians, and Mr (Daniel) Barenboim, so forth.

イ・ジユン

ええ。まあ、それにしても入団オーディションを受ける日までは、人生こんなに全く変わることになるなんて、予想も期待もしていませんでした。実際、こんな名門オーケストラで、メンバーの方達錚々たる顔ぶれで、マエストロ・バレンボイムがいて、自分がこんなところで弾けるなんて、目の前にそんな光景、全然見えてこなかったです。

I didn't really care about how you should be, you should play in the auditions or what kind of interpretation you should have. I was just being myself, I guess, and just being natural. And it much pretty worked.

オーディションで、どんな風に振る舞っていようとか、どんな風に演奏しようかとか、どんな解釈で行こうかとか、実際全然意識していませんでした。とにかく、その場のありのままで居ようと、無理のないように行こうと、それが思い切り功を奏しましたかね。

Is there a particular reason why you wanted to come to Germany or why was Europe so interesting?

エリーザ・シェンンケ

ドイツに来たかった特別な理由がある、というか、ヨーロッパにそんなに興味を持ったのはなぜですか？

I was always so interested in German language because I truely believe that if you want to understand the music of Bach or Beethoven or Brahms, all are my ... basically my gods, you need to learn the language, you need to be able to speak it.

イ・ジユン

ドイツ語はずっと興味を持っていました。これは自分の信念として、バッハにしろベートーヴェンにしろブラームスにしろ、これ全員、私には神様みたいなものですけれど、その音楽を理解したいなら、彼らの言葉を身に着けないといけないし、自分で話せるようにならないといけない、そう思っているのです。

You wanted to understand German language or kind of learn to speak ... Do you have a favorite German word?

エリーザ・シェンンケ

ドイツ語を理解できるようになりたかった、というか、話せるようになりたかったみたいな…ドイツ語の単語で、好きな言葉ってありますか？

Well, I have a favorite German word “gemütlich”. Because this word can never be translated into other languages, I think. It's something ... It's different from “cozy”. It's more like in grandma's living room with nice firework. It's just the feeling I think when I always hear of this word. And I'm just like (touching her chest with her both palms). I just really want that.

イ・ジユン

私が好きなドイツ語の単語は「gemütlich」ですね。理由は、この単語は他の言語には、キチンと置き換えることが出来ないんじゃないかと思っているのです。ある意味…「cozy」（居心地がいい）とも違うじゃないですか。もっと何て言うか、おばあちゃんの家の居間で、アグンギなんかで火を焚いたりして、この単語が耳に入ってくると、いつもそんな感じがするのです。そんな時はこういう（胸元に両掌を当てて）、そういう気分に浸りたいな、みたいな。

It's pretty good. I mean, you're having a concert tonight, right? So for the “Out of the Opera” like series, right?

エリーザ・シェンンケ

イイじゃないですか。ところで今夜は本番がありましたよね。「Out of the Opera」これって確か、シリーズ企画だったと思うのですが。

Well, the whole idea about “Out of the Opera” project is that people say that classical music is falling now at the moment, because we have difficulties getting younger generations to the concert halls or opera houses.

イ・ジユン

そうですね、プロジェクトの全体的な考え方は、最近世の中でクラシック音楽が落ち目じゃないかと言われていて、確かにこちらも、若い世代の方達を、クラシックのコンサート会場にしろ、歌劇場にしろ、なかなか呼び込むのに苦労しています。

Instead of thinking “How can we bring people to concert halls?” we have to think the other way around. So instead of making people, convincing people to come to us, why don't WE go to people? It involves more kind of personal communication.

「どうやったらコンサートホールに呼び込めるか？」と考えるのではなくて、発想を逆方向に転換しないといけないなと考えました。なので、私達の方へ寄ってこさせるにはどうしたらいいか、ではなくて、私達の方から出向こうよ、ということになったのです。そこには、直接の交流も含んでいこうという事になっています。

Yeah.

エリーザ・シェンンケ

そうでしたね。

It's not only just like, “we play, and then we go.” Not anymore.

イ・ジユン

「はい、演奏終わり、じゃあ、次」だけじゃなくて、そういうのは、もうやらない、ということです。

So it turned out like very positive to get positive feedback from the audience?

エリーザ・シェンンケ

それで結果としては、良い形でお客さん達からフィードバックが来ているのですか？

Yeah. Yes, absolutely. And people loved in fact, and I was so happy to see that it's possible to convince younger generation with classical music, you know. You're not just like some aliens.

イ・ジユン

それはもう、完璧です。実際皆さん、すごく気に入ってくださっていて、若い人達をクラシックのコンサートに引き込むって、出来ると分かって、すごく嬉しかったです。別に私達、異次元の人間じゃありませんからね。

Old-fashioned and ...

エリーザ・シェンンケ

時代遅れの輩でもないし…

Exactly. We are also normal people, I mean.

イ・ジユン

本当、その通りです。私達だって普通の人達ですから。

That's GOOD to hear!

エリーザ・シェンンケ

そう聞けて、「マ・ジ・で・」良かったです！

Yes!

イ・ジユン

ですよね！

https://www.youtube.com/watch?v=IdtR2YiAf0w

2019/10/12

Gyeonggi Philharmonic Orchestra

Conductor : Massimo Zanetti

Violinist : Jiyoon LEE

2026-08-11

英日対訳：ティモシー・チューイ (加・Vn) 2024 PSB Speakers 楽器は自分の人生丸ごと／何を「録る」か

https://www.youtube.com/watch?v=ByKCFDlaFwo

本スクリプトの動画はこちらからどうぞ

2024/02/23

PSB Speakers Presents: Press Play with Timothy Chooi

Timothy Chooi

Violin has been my entire life. It's more than just an instrument. It's more than just sound. It's a representation of kind of the whole personality of how I was brought up.

ティモシー・チューイ

バイオリンは僕の人生丸ごとそのままです。単なる楽器以上の存在です。鳴り響くサウンドも、単なる「音」以上の存在です。僕がこれまでどのように成長してきたか、ある意味その全てを語るものです。

***********

Well, I would love to see your violin. First of all, it's a beautiful case. It looks like something from a different era.

ティモシー・チューイ

ポールさんのバイオリン、是非見せてください。まずはケースが良いですね。何だかタイムマシンでやってきたみたいです。

Paul Barton

Yeah.

ポール・バートン

でしょう？

And ... Is that leather?

ティモシー・チューイ

それと…このカバーは革製ですか？

Well, no, it's not leather. But the case is leather.

ポール・バートン

いや、違います。革製ではありません。でもケース自体は革製です。

OK.

ティモシー・チューイ

なるほど。

And you can see how patina it is.

ポール・バートン

結構使い込んで、良い感じの風合いでしょう？

Yeah.

ティモシー・チューイ

本当ですね。

And this is a violin that in 1963. My father built this violin.

ポール・バートン

さてこのバイオリンですが、1963年に私の父が作ったものです。

1963! Wow!

ティモシー・チューイ

1963年ですか、すごいな！

And he based it on the Stratovarius Messiah.

ポール・バートン

そしてアントニオ・ストラディバリウスが作った「メシア」を手本にして作ったものです。

Yeah.

ティモシー・チューイ

はい、確かに。

And you can see the broad shoulder...

ポール・バートン

胴体の横幅が広いのが分かりますよね。

Yeah.

ティモシー・チューイ

分かります。

... and the thickness of the ... and the shape here is not like a Guarnerius. Gurarnerius has a much more accentuated top.

ポール・バートン

…そして胴体の厚み…というか形がですね、ガルネリ（のバイオリン）は表板の膨らみがもっと高く作られています。

And it's slimmer as well.

ティモシー・チューイ

それともっと薄いですよね。

That's right.

ポール・バートン

その通りです。

Yeah. Just take a look at this. Wow! Yeah, it's very well set up. So ... Now sounds like a viola rightnow! (laugh) Yeah. Wow! it's fantastic to see this. And your father made this.

ティモシー・チューイ

ですよね。ちょっとじっくり見せてください。いいですね、すぐでも演奏できる状態じゃないですか。では…今はまだビオラっぽいかな！いやあ、見るだけでもスゴイですよ。ポールさんのお父さんがお作りになったとのことですが。

If you look inside the F hole, you'll see the label.

ポール・バートン

F字孔から中を覗いてみてください、ラベルが見えるでしょう。

“Made especially for Paul Barton by his father in Kitchener 1963” Wow, that is special. I wish my dad made me a violin!

ティモシー・チューイ

父からポール・バートンへ捧ぐ。カナダ　オンタリオ州キッチナーにて　1963年」これはかけがえのないものじゃないですか。僕もお父さんにバイオリンを作ってもらいたかったな！

Well, he actually did, my dad. So I started out when I was three years old. But even before that I was very interested in playing the violin. My brother's a violinist himself, also.

あ、そうだ、作ってくれたんでした。僕がバイオリンを始めたのは3歳の時でしたが、その前からバイオリンを弾くのにすごく興味があったのです。兄もバイオリン奏者をしているのですが。

OK.

ポール・バートン

なるほど。

And he's five years older than I am. And just since my brother was playing that I ... I remember being, you know, my youngest memory when I was one or two. And I just kept taking a pair of chopsticks and imitating him no matter what.

ティモシー・チューイ

兄は僕より5歳年上で、それで兄がバイオリンを弾いていて…僕の一番幼い頃の記憶では、1歳か2歳だったと思うのですが、お箸を2本用意して兄のマネをですね、当時はまあ、何でもマネしていました。

So my dad just saw that this little kid, this little baby is so excited about playing the violin, he made me a cardboard box violin. And I destroyed it on a consistent basis, but ...

それをお父さんが見て、こんな幼い子供というか、赤ん坊が夢中になってバイオリンを弾いているつもりになっているならと、段ボール紙で作ってくれたんです。もっとも僕は、作ってもらう橋から遊び過ぎて壊していましたけれどね。

Like a cigar box?

ポール・バートン

タバコの空き箱みたいな感じですね？

Like a cigar box, exactly, yeah. He just took, you know, leftover cardboard and shaped it into a violin. And I used a chopstick to be the bow. And ... so not as romantic as yours, but much more practical in some ways

ティモシー・チューイ

タバコの空き箱、正にその通りです。何かで使い終わった段ボール紙を、バイオリンの形にしてくれたのです。そしてお箸を弓代わりにして、それで…まあ、ポールさんみたいにカッコいい逸話は無いのですが、子供が壊しては遊ぶと言う点では、実用的だったかもしれません。

Yeah.

ポール・バートン

なるほど。

Violin has been my entire life.

ティモシー・チューイ

バイオリンは僕の人生丸ごとそのままです。

Yeah.

ポール・バートン

でしょうね。

So I was born in Victoria, BC. And I remember that when we were growing up we would always go down to Seattle to go to the Seattle Suzuki Festival. And my brother was participating in that. And I would also participate in that program.

ティモシー・チューイ

僕はカナダのビクトリア州生まれでして、小さい頃は、今でも憶えていますが、よくシアトルまで出かけて、スズキメソードのイベントに参加していました。兄がこれに参加していて、僕も一緒に参加していたと言うわけです。

Did you train based on the Suzuki style?

ポール・バートン

スズキメソードでバイオリンを習っていたのですか？

I did, yeah.

ティモシー・チューイ

そうです、はい。

ポール・バートン

なるほど。

I mean, I have my own system now, but ... So I mean, I started with Suzuki because it was just an opportunity to start playing. It was more than any technique. There was

no real formal, I think, pedagogical lineage out in Seattle at the time.

ティモシー・チューイ

まあ、今現在は僕なりのやり方ですけれど…僕がスズキメソードで習い始めたのは、それしか習い始めの方法が無かったからです。今思えば、他の教授法以上のものがありましたね。当時シアトルでは、正式にバイオリンを教えるメソッドが、それ以前から地域の中で受け継がれていなかったのでしょう。

And then I started taking private lessons when I was three until I was about ... I mean I still take private lessons to these days, but I went to an institution when I was about five and I started going to the Victoria Conservatory of Music. Then I went to Mount Royal Conservatory in Calgary at the time when it was still a college, not a university yet. I would fly from Victoria to Calgary every other weekend for lessons.

そんなわけで３歳から個人レッスンを受け始めて、そこからずっと大体…まあ今でも個人レッスンは受けていますけれどね。ちゃんと教えてくれる場所に行くようになったのが５歳の頃で、そこからビクトリア音楽院に通い始めました。その後、現在は四年制大学ですが、当時はまだカレッジだったマウント・ロイヤル・カレッジにも行くようになって、ビクトリア州とカルガリーの間を、１週おきにレッスンに通っていました。

And then when I was in my teenage years, my brother entered the Curtis Institute of Music in Philadelphia, and I want to do that too. So I auditioned when I was fifteen, and I got in. And then since then I just my whole life has been in music and never stopped.

そして１３歳になった頃ですね、兄がフィラデルフィアのカーティス音楽院に入学して、僕も行きたかったものですから、１５歳の時に入学試験を受けて、合格したのです。そこから音楽漬の生活が始まって、ずっと今まで走り続けています。

I started competing. I started performing professionally as well. And it's sometimes hard to even stop because I realized it's just been non-stop since I was fifteen until now.

コンクールにも出るようになりましたし、プロとしての演奏活動も始めました。時には一息つくの大変だと言うこともあります。なにしろ１５歳から今までずっと、立ち止まらないような過ごし方をしていますから。

Yeah, sounds great.

ポール・バートン

そうですね、すごい話です。

Yeah just the violin for me is more than just an instrument. It's more than just sound. It's ... you know, it's a representation of kind of the whole personality of my ... of how I was brought up, what's important to me in my value system, the importance of sharing and kind of my principles.

ティモシー・チューイ

そうなんです。僕にとってバイオリンは、単なる楽器以上の存在です。鳴り響くサウンドも、単なる「音」以上の存在です。僕がこれまでどのように成長してきたか、ある意味その全てを語ってくれるものです。何が大事な事か、人々と物事や思いを分かち合うとか、そういう自分にとって大切なことの、柱みたいなものを幾つももたらしてくれるものです。

So I know that the violin seems like a piece of wood and, you know, just sound that comes out of a piece of wood. But I think it can mean so much more. And I think that, you know absolutely it's so interesting to know more about the speakers as well because that is recreating the sounds that's available.

普通の人から見れば、バイオリンなんて、ただの木で出来たものでしょう、そこから音が出ているだけでしょう、そうなると思います。でも僕にとっては、それよりはるかに意味があるものです。それと、これからこのスピーカーのことについて、録音した音をどこまで再現できるのか、すごく興味があります。

Well, being true to the sound of the actual source...

ポール・バートン

そうですね、実際の音源が発する音に対して、正確に向き合うこと…

Absolutely.

ティモシー・チューイ

全くその通りです。

... and that's what a speaker should be doing.

ポール・バートン

…それこそがスピーカーの役目です。

All right. Let's go play some violin.

ティモシー・チューイ

いいですね。それじゃ、いよいよバイオリンを弾いて見ますか。

***********

You've produced some sound. Now we're going to do some reproduction of sound, and hopefully be able to capture the same kind of emotions and music that people get when they hear the live performance. So that's the challenge.

ポール・バートン

今鳴らしていただいた音を、今度は再生してみることになります。願わくば、生演奏をお客さんが聞くような感じを、録音が捉えることができているかどうか、そこが私達にとっての挑戦なのです。

And this is our flagship, which is called the T800, Synchrony T800 (Tower speakers). And you may or may not know but each of the woofers there are three of them are in their own enclosure. Each of these woofers doesn't cover the same range of frequencies. They all cover the lowest frequency together.

さあ、こちらが当社の看板商品、Synchrony T800 Tower Speakersといいます。ご存じかどうか、低音用スピーカー「ウーファー」が３つあって、その１つ１つが独立したスピーカーボックスに入っています。それぞれが担当する音の高さ（周波数）の範囲は同じではありません。最も低い音だけはすべてのウーファーが協力して（一緒に）鳴らしているのです。

And the reason we have to do that is in sound it's hard for one driver to produce the whole range of frequencies. You'll get the blend of those as though it were one source. That's the whole objective of the way we've configured this speaker. Now I guess the best thing is to maybe give them a listen.

なぜこのようなことをするかと言いますと、1つのドライバー（スピーカーユニット）で全ての周波数帯域の音を鳴らし切るのは難しいからなのです。こうすることで、色々な周波数域をブレンドして、１つの音源から鳴っているように聞かせるのです。このスピーカーの構成の仕方は、以上の目的に基づいています。まずは、お聴きいただくのが一番でしょう。

Amazing! I really felt like I was encased in a whole world of different textures and air flow. My ears are overwhelmed with the amount of flavors it's having right now.

ティモシー・チューイ

これは凄いですね。本当に色々な音の質感や空気感が、自分の周り全体に広がっていて、それに包まれている感じがします。今この瞬間に聞こえている色々な音質音色の量に、自分の耳が圧倒されています。

Yeah. Well, that's the point. The speaker is only a window through which you see the acoustical event.

ポール・バートン

でしょう。そこがポイントなのです。スピーカーといっても、ただの窓みたいなものです。そこから、普段の生活の中で音を聴くと言う場面での、音が飛び込んでくる、それだけです。

And I am experiencing that real time.

ティモシー・チューイ

今それをこの瞬間体験させてもらっています。

Yeah. Good.

ポール・バートン

そうですか、それは良かったです。

I mean, to hear from this angle and these speakers, I almost felt like, you know, I wouldn't like I was quite in the audience, but it felt like I was almost to the side and very close to the performer because I could hear the articulation of ... almost some of the chips of the wood in the hair.

ティモシー・チューイ

僕が言いたいのは、この角度、そしてこのスピーカーからですね、何ていうか、客席で聞いている気分ではなくて、演奏している人間のすぐ傍で聞いている、そんな気がしました。というのも、弾いている様子というか…バイオリンの弓についている松脂の粒子が弦に触れる音までも聞こえる気がします。

But that kind of detail is like being in the front row.

ポール・バートン

でもそういうのは、最前列かぶりつきでもない限りそんな細かいところまでは聞こえないものでしょう。

I think so, yeah. I really actually, you know what? That's an interesting idea! I felt like I was the microphone.

ティモシー・チューイ

そうでしょうね、その通りだと思います。ですか、こんな風に聞かせるのって、面白いですよね。自分が録音マイクになった気分です。

Exactly.

ポール・バートン

そうでしょうね。

I was the microphone, yeah. And that's ...

ティモシー・チューイ

自分＝マイク、それと…

A lot of speakers wouldn't pick that up.

ポール・バートン

今出回っているスピーカーの多くは、そこまで拾い切れません。

No. And I get to hear it because I understand now the quality of timbre before ... when I was listening through earphones, it just sounded more like a pitch rather than actual timbre.

ティモシー・チューイ

出来ないでしょうね。僕としては何としても聞いておきたいところです。というのも音色の質についてですが…イヤホンを通して聴くと、単に音程のあるものが聞こえてくると言うだけで、実際の音色までは聞けません。

Yeah, with texture.

ポール・バートン

でしょうね、音の質感までは無理です。

I mean, now what I've noticed with these speakers is I'm noticing the placement of the mics much more clearly. And it's more obvious than if I were to listen to any other types of speakers. You know, that doesn't have this amount of technology and thought put into one.

ティモシー・チューイ

今このスピーカーで聞いて気づいたのは、音を聞いただけで、録音した時のマイクの位置が、物凄くハッキリわかるということです。他のどんなスピーカーで聞くよりも、ハッキリわかるのではないかと思っています。イヤホンではここまでの技術と開発者の方達の試行錯誤やこだわりを盛り込むことはないですからね。

So, yeah, it's really interesting to see that, listening from this perspective and where I am, and with these particular products, that I can hear that the way the engineers have put the mics play a bigger role in my experience than if I were to listen to it, you know, with some cheap headphones or something.

実際この角度から聞いて、この位置で、このスピーカーで聞いてみて、もし安っぽいヘッドホンとか何かで聞いていたらと思うと、僕なんかよりもはるかにしっかりと、開発者の方達が録音マイクの役割をしっかりと大きく考えているんだなあと、それが分かってすごく興味深いと思っています。

Right.

ポール・バートン

その通りです。

I mean, of course, maybe that's very obvious for someone like you. But for me with someone who's very naive with these new speaker world, it's fascinating.

ティモシー・チューイ

その辺りはポールさんのような方には、当然なんでしょう。でも僕みたいにこういう新しいタイプのスピーカーをよく解っていない人間にとっては、すごく魅力的です。

As you may or may not realize particularly if you don't have a really high-end reproduction system, the variability of recordings is much greater today in many cases than the variability of different brands of loudspeakers ...

ポール・バートン

お手元に高品質な再生装置をお持ちでないということですと、ご存じかどうか、現在この世界では、様々なブランドの大型スピーカーが出ていますが、その多様性と、録音面での多様性とを比べると、多くの場合、録音面の方が、はるかに勝っています。

Yes.

ティモシー・チューイ

なるほど。

... because speakers have progressively gotten better over the years. Music recording, to be honest with you, is not as mature as the reproduction. The production side of things is getting better but still is a bit of a loose cannon.

ポール・バートン

というのも、スピーカーの方は、ここ数年で改良に向かっています。ここだけの話、音楽の録音技術については、再生技術と比べると、成熟しているとは言えない状況です。再生能力は向上してきてはいますが、依然として制御が効かず、いつ問題を起こすかわからない状況です。

It's important for me when I'm doing demonstrations to try and select recordings that are well done that represent, the results, that I expect or something close to the original performance.

今日の様にデモンストレーションをさせて頂いて、良い状態のものを良い状態でお聞かせするために、録音とそのセレクトを試みるわけですが、その際に私が重要視しているのは、とにかく元の演奏に近い状態のものを、ということです。

And especially so because when we're recording with orchestra and with, you know ...

ティモシー・チューイ

なぜなら特にそれは、オーケストラと…

Single violin?

ポール・バートン

独奏者であるバイオリンですよね？

... single violin,we do, on our side as musicians, take an effort to record in a hall. Often times, you know, other organizations or ...

ティモシー・チューイ

独奏者であるバイオリンですね。僕達演奏家の立場からすると、広い空間のある場所で録音する努力をすることになります。結構他の場所なんかをですね…

Studio?

ポール・バートン

スタジオですか？

Yeah, studio...

ティモシー・チューイ

はい、スタジオですね。

Or artificial reverb and things like that.

ポール・バートン

それか、人工的にあたかもホールでやっているような残響を創り出してしまう、みたいなね。

Exactly. And for us we take the investment of renting out, you know, the nice hall. When it comes to ... like labels and doing a professional recording, I think, as an artist, especially as the person being featured, we have to look out there what kind of recordings would be like, understand who the producers and a recording engineer. But generally it's just like anything it's a commit. It's the right partner, the right collaborator, and the right hall. ティモシー・チューイ

その通りです。僕達からすれば、条件のいい広い空間のある場所を借りるのは、相当お金がかかることなのです。それが…レコード会社のようなところが、本格的にレコーディングするということになると、演奏家、それもソリストとか目立たせる形をとるとなると、しっかり吟味しなくてはいけなくなることが出てきます。レコーディングはどのようにしようかとか、それにはプロデューサーやレコーディングエンジニアの方達のことも把握する必要があります。でも普通に行けば、とにかく事前にしっかり打ち合わせをして、段取りと持って行き方を決めて、その通り実行するよう約束することです。パートナーや協力して下さる方、それに場所も、しっかりとした状態であることが全てです。

You've done recordings in studios before?

ポール・バートン

スタジオで録音なさったことがおありなんですか？

Yes.

ティモシー・チューイ

あります。

So when ... You must hear good sound reproduction in the sound rooms there. And that kind of detail should come out in that environment as well.

ポール・バートン

録音したものを確認する場所では、良い音で聞けることでしょう。そしてスタジオみたいな環境でしたら、先程からお話ししている細かいところも、しっかりできるというものです。

Yes. So how it works for me when I'm doing my recordings are I do listen to the recordings but there's almost a little bit of this ... little bit of a quote or saying that “The performer should not listen too much because then it goes endless with the recording process.”

ティモシー・チューイ

そうです。なので、僕がレコーディングをする時には、僕が納得いくようにいけるかどうかについては、僕はしっかり録音したものを聴くようにしています。ただ、少しばかりですね…僕達の世界の教訓として「演奏家たるもの、自分の演奏の録音をあまり聞き過ぎない事。そんなことをしたら、際限なく録音したくなってしまうから。」

So we have a producer that we have to trust and that's where the relationship between the performer, the artist, and the producer have to be a really special one.

ですから僕達には信頼すべきプロデューサーの方がいるわけですし、演奏家、つまり音楽家とプロデューサーとは、特別な関係でなければならないと言うことなんです。

And finding the right partner is very difficult, but once that is done I believe then, you know, you got to trust the ears of the producer.

先程パートナーと言いましたが、良い人を見つけるのがなかなか難しいです。でも一旦見つけたら、その方を信用して、そうしたらプロデューサーの耳を信用していかないと、なのです。

And the thing about acoustical instruments and especially for me when it's not electronic, what's difficult is to recreate that three dimension of sound that often gets very, you know ...

そしてアコースティックな楽器というものは、特に僕にとっては、電子楽器でないので難しいところがあって、立体的に再現するというか、結構ですね…

Flat?

ポール・バートン

平面的になってしまうと？

Flat, exactly, which for me is fascinating because often times as a naive performer we expect the exact same of detail that we listen on stage to automatically come out like this. When it takes a lot of ... It's an art form itself ...

ティモシー・チューイ

平面的、全くその通りです。僕はこの手の分野は素人ですので、舞台上で演奏しているのを聴いた時と、全く同じものが、黙っていても出来上がって欲しいと、それこそが魅力的だと思っています。これが結構…音楽の形としてこれを…

... to do that.

ポール・バートン

実行に移す？

... to do all of this. And there is no formula. There is ...

ティモシー・チューイ

実行に全部移すとなると、決まった形なんて無いですよね。それで…

The radiation pattern of a violin is very complex. So to put one microphone close to it and expect to hear what you're hearing because of all the reflections that occur in the room ...

ポール・バートン

バイオリンの場合、どう対応するかのパターンが非常に複雑です。録音マイクを1つ近くに据えて、自分の耳で聞くのと同じように録りたいと、結局録音する部屋の中での残響とかも、全てですね…

Overtones.

ティモシー・チューイ

倍音とかもですよね。

... off the floor, reflections off of you. The one microphone can't capture that to the same degree that our ears can in a room.

ポール・バートン

床からの反響や、演奏者の方の体からの反響とか、1つの録音マイクでは、室内で演奏している方の耳に入ってくるのと同じようには、中々捉えることは出来ません。

https://www.youtube.com/watch?v=Yo_GnnQx6Ig

Czardas

Timothy Chooi, violin

Junichi Hirokami, conductor

Tokyo Symphony Orchestra

September 2024

Tokyo, Japan

https://www.youtube.com/watch?v=CGl5WWJVAiA

Bruch’s Scottish Fantasy

Jun 6, 2025

Timothy Chooi, violin

Domingo Hindoyan, conductor

Royal Liverpool Philharmonic Orchestra

Liverpool, United Kingdomd

【英日対訳】ミュージシャン達の言葉what's in their mind

ミュージシャン達の言葉、書いたものを英日対訳で読んでゆきます。

英日対訳：OneVoice (米国Briarcrest Christian School 合唱部) 2021「私の努力が全体に映る」を実感するチーム

英日対訳：内田光子 (日・Pf) 2021 The Cleveland Orchestra モーツアルト／シューベルト／アメリカの家族

英日対訳：アントワン・タメスティ (仏・Viola) 2023 Tram for Two パーヴォ・ヤルヴィ：ヴィオラジョーク

英日対訳：ブライアン・アイザックス (米・Viola) 2025 人もヴィオラも「不完全」／コンクールの意義

英日対訳：ユリア・フィッシャー (独・Vn, Pf) 2021 バイオリンもピアノも／完璧主義と演奏／名人達の教え

英日対訳：イ・ジユン (ベルリン国立歌劇場管・コンサートマスター) 2019 逆転の発想／言葉は理解を齎す

英日対訳：ティモシー・チューイ (加・Vn) 2024 PSB Speakers 楽器は自分の人生丸ごと／何を「録る」か