https://www.youtube.com/watch?v=rQCItEKfH9U
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2025/02/10
Bassoonist, conductor, and curator Rebekah Heller shares how to create impactful concerts that reflect your values and empower your audience
Learn more at http://carnegiehall.org/TheConnectedM....
My name is Rebekah Heller, and I'm a bassoonist, composer, conductor and artist.
レベッカ・ヘラーと申します。ファゴット奏者、作曲家、指揮者、そして音楽活動全般に関わってます。
I started out as a purely classical musician. I went to conservatory and grad school for bassoon performance. And then I was in the Chicago Civic Orchestra as well as the New World Symphony in Miami. So my career was very orchestral-focused.
最初はクラシック音楽の演奏家として、それ一本でのスタートでした。音楽学校に行って、大学院もファゴット専攻でした。その後、シカゴ響のアカデミー「シカゴ・シビック・オーケストラ」、それからマイアミに本拠地がありますニューワールド交響楽団に在籍しました。ですから私のキャリアは、最初はオーケストラの楽団員からだったのです。
After countless auditions, I did finally win a job in the Jacksonville Symphony Orchestra in 2008, and I accepted it with excitement.
数え切れないほどオーディションを沢山受けて、最終的に採用になったのが、ジャクソンビル交響楽団、2008年のことです。この時は採用になって、とても嬉しかったのを憶えています。
But around the same time, I had been contacted by members of the group called International Contemporary Ensemble, or ICE. I was invited to New York City to play with ICE for the first time, and I was struck by the passion and the virtuosity and the commitment of all the players and of the audience.
ただ、それと同じ頃に、連絡を取り合ってたのが、インターナショナル・コンテンポラリー・アンサンブル、「ICE」のメンバー達だったんです。ニューヨークに呼んでいただいて、初めてICEと一緒に演奏したときに、メンバー全員の熱意とか、技術の凄さとか、入れ込みようとか、更には、彼らの演奏を聞きに来るお客さん達も同じようで、それで私は衝撃を受けたんです。
And there was something that felt so extraordinarily vital about being part of the process of bringing a new piece to life. So the creative part of working with a composer to me was everything.
この活動には、今までにない作品に命を吹き込んでいく、そのプロセスの一部になる、そこにはとてつもない活力を感じさせるものがあったんです。私にとっては、作曲家と一緒にゼロから物を生み出していく、その一部になることは、そこに自分のすべてがある、そう思ったんです。
I started playing more with the ensemble and other groups in New York, but I also started doing more work within the ensemble administratively.
私はこのアンサンブルと、他にもニューヨークには色々なグループがいくつかあって、彼らと一緒に演奏活動を始めました。でもそれだけでなくて、そのアンサンブルの中で、企画とか指導助言とか、そういうこともだんだん取り組むようになっていったんです。
And then in 2018, I became co-artistic director of International Contemporary Ensemble, and it was in this role that I started curating upwards of a hundred concerts in any given season.
その後、2018年にICEの芸術監督を、他の人達と一緒にやらせてもらうようになりました。ここから、キュレーターとしてのキャリアが始まります。私の場合、1シーズンあたり最大100回の公演のキュレーションを手掛けるようになったんです。
But as I began to curate more and become involved with a community of artists, I realized that curating the opportunity, to curate a concert program, it's a very powerful position to be in. It's a very privileged position.
ただ、キュレーターとしての仕事が増えて、演奏家の方達の世界とのかかわりあいが出来ていくにつれて、気づいたことがあるんです。それは、キュレーションをさせてもらえる機会があって、演奏会のプログラムのキュレーションをするというということは、物凄い強制力を持つ立場になってしまう、ということなんです。特権的な色合いがとても強い、そういう立場なんです。
It's your job as a curator to say, “These are the compositional or musical voices that we should be paying attention to right now.” I started to realize that for me curation needed to come from a values-based place.
「これは今すぐ注目すべき作品であり、音楽表現芸術なんだ」ということを口にするのは、キュレーターとしてやらねばならない仕事なんです。このくらいつぎ込めば、このくらいの成果がでる、それを最大化するにはこうする、そういう立ち位置から、キュレーションというものは出てこないといけない、私はそう認識するようになったんです。
I began to think, “What are my values as an artist? What are our values as a community? And how do I take those values and translate them into what happens on our stages?”
そこで考え始めたのが「私はアーティととして、どんな価値を持っているか？。私達アーティストは、集団として、どんな価値を持っているか？そして私は、そういった色々な価値を手に取って、自分達の舞台の上で展開するものとしてかみ砕いていくには、どうしたらいいのか？」
So we said, “Whose music is not being heard? Who is underrepresented in this field of classical music in general, but more specifically, contemporary classical music?” That became the central question and remains the central question.
ですので、私達のアンサンブルでは、こう言うのです「誰の作品が、まだ埋もれているか？クラシック音楽、もっと言えば、現代のクラシック音楽で、まだキチンと評価されていない作曲家は誰か？」それを常に中心にして、自問自答するようになって、今に至っています。
We started focusing a lot on Central and South America, and composers from the African diaspora, and then also gender diversity; composers who identify as female or who are trans or non-binary have also been historically left out of the conversation.
大いに注目するようになったのが、中南米の作曲家、それから、世界各地にいるアフリカ系の作曲家、それから、ジェンダーの面でもですね、女性、トランスジェンダー、ノンバイナリー、こういった注目の仕方も、歴史的には、話題に上っていなかったことですから。
And then, “Who is your audience? Where are you programming? What spaces are you in? What communities are you in? How can you think about the audience experience? And how do you curate based on that?”
次に「自分達の演奏を聞いてくれる人は、何者か？演目を決めていく立ち位置は、どこに置くのか？自分はどんな社会的空間に存在しているのか？自分はどんな人間集団の中にいるのか？自分達の演奏を聞いてくれる人達が、どのような背景や経験を持っているかを、どうしたら考えられるか？そう言ったことを踏まえてのキュレーションとは、どのように行うべきものなのか？」
And then you have your third bucket; if you think of these as buckets.
次に3つ目のバケツ…まあ、キュレーションをバケツに例えてみますね。
Your third bucket is “practical logistics of making a concert”: What is my budget? How many players can I afford? Do we have money for percussion rentals? Is there a piano in the space? So all these pieces speak to one another.
3つ目のバケツは「実際にコンサートを作っていくロジスティクス」です。ミュージシャン達は何人出演してもらえるか？打楽器のレンタル料はまかなえるか？会場にピアノはあるか？こういったこと全部が、次々と問いかけてくるのです。
And then you have, over all of that, the storytelling aspect, from all of these elements, what are you going to weave together to say, “What is the story we're creating? And how do you widen the lens to be like 'This isn't my story?' How do you say, 'What is our story together?'”
そうなったところで、こういった諸々のことの上に、物語を作っていく側面といいますか、こういった要素全てを踏まえて、「どんな物語を生み出そうとしているのか？『これは言いたいことじゃない』とか『色々見て私達の物語は何なのか』とかを見極めるレンズ、つまり視野を、どうやってより広くしていくか」そのために、何を編み込んでいくか、これを考えるわけです。
So the audience feels really connected and that there's a “why” behind all of these works you're putting together.
そうやって編み込んで行く作品すべての背景には、「何故？」が存在していますし、自分達の演奏を聞きに来てくれる人達は、そことのつながりを、しっかりと感じ取ることができるのです。
One of the most challenging aspects about curating a program of brand new music is how to care for and cultivate the audience experience, especially when you don't even know what the works are going to sound like before you program them.
初演曲を入れたプログラムをキュレーションをする上で、乗り越えるのが大変な要素は、色々ありますが、その中の一つが、自分達の演奏を聞きに来てくれる人達が、どんな背景や経験を持っているかについて、どう対応して、どう掘り下げていくか、特にプログラムを組む前に、それらの作品がどんな音がするのかが分からない時などは、尚更大変です。
From my point of view, the most important thing is empowering people to feel like they're allowed to have an opinion.
私の物の見方ですが、一番重要なことは、「自分達の意見を持っても許されるんだ」と感じてもらえるよう、必要な力を持ってもらうことです。
And so I think by taking away the sort of formality of the experience, allowing musicians to talk on stage, inviting the composer to come up and speak about their process, inviting the artists to talk about ... like... All of the microprocesses that they're doing, that might be involved in it and talking about what's been difficult or hard.
なので、ある種の「堅苦しさ」を取っ払って、演奏者にも舞台上で語らせてあげて、作曲者を舞台上に招いて曲作りの敬意を話してもらって、アーティストを…その…そういう人達が関わっている細かなプロセス一つ一つ、そこに含まれているものや関わっているものを、全部残らず、何が難しかったかとか、何が大変だったかとかを、語るようにするのです。
And inviting a period of social time after, where the audience can share their opion and feel like they're allowed to be in the space in a full and present way.
それから交流の機会には、自分達の演奏を聞きに来てくれる人達の意見も、彼らも当事者としての場に、しっかりと、実際に入り込んで行く形で、自分達の意見も共有してもらえるんだ、と言うことになるのです。
One of the most important things that I talk about with my students is the necessity of allowing ourselves to identify in many different ways.
私が普段学生達に、とても大事だよと言っていることの中の一つに、自分は何者かということを考える時に、一つでなくて、色々異なる捉え方をしなさい、ということを言っています。
For example, I identify as a performer and a composer and a curator and an improviser, and ....
例えば、私自身は、ファゴット奏者であり、作曲家であり、キュレーターであり、インプロビゼーションもしまし、他にもあれもこれもと、色々あります。
So if I had any advice for younger performers it's really relaxing into the idea that YOU are a truly creative being. You're really good at your instrument, and you're really good at interpreting others music.
若手の演奏家の皆さんへのアドバイスですが、自分こそは、心底ゼロから物を生み出す人間なんだ、そういう考え方の中に身を置くことで、肩の力が抜けるというものです。自分は物凄く上手に楽器を弾きこなせる、自分以外の人達に、音楽を届けることを上手にやれる、そう思いなさい、ということです。
But a huge part of that interpretation and why it's so exciting is that you're bringing a lot of yourself to the table. YOU are a creative artist.
でも「音楽を届ける」の大半と、そのとてつもない面白さは何かといえば、届ける先のテーブルの上に乗せるのは、自分自身をふんだんに盛り込んだものだ、ということなんです。自分こそが、クリエイティブなアーティストである、そう思ってください、ということです。
https://www.youtube.com/watch?v=8ffHfOYdSSc
The Voice, for cello and bassoon
Written by Dai Fujikura
Performed by International Contemporary Ensemble in 2017
featuring Rebekah Heller, bassoon, and Katinka Kleijn, cello
